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De una belleza infinita, la diva cobró notoriedad con el film “El ángel azul”
Su increíble belleza y el halo de misterio que la envolvió durante toda su vida, convirtieron a Marlene Dietrich en una leyenda.
A la diva del cine no le regalaron nada. Para convertirse en la diva que fue tuvo que aprender inglés y, sobre todo, refinar su apariencia. Convirtió su figura robusta en esbelta, adelgazó 15 kilos y se depiló las cejas como Greta Garbo. Según los rumores que corrían en la época, Marlene se extrajo las muelas del juicio para lograr el efecto de un óvalo facial más anguloso. Aprendió a maquillarse y ensayó una y otra vez las posturas que más la favorecerían en pantalla. Convertida en mito, la actriz alemana quedó atada a esa extraordinaria apariencia, que cuidaría durante toda su vida para conservar esa enigmática presencia.
Los ojos de Marlene Dietrich siempre estaban entreabiertos. Los párpados caían levemente sobre sus pupilas y la sensación que transmitía es la de la seguridad. No hay sorpresa, ni miedo, ni espanto, ni euforia. Sólo tranquilidad. Todo está bajo su control. Una mirada potente, que parece entenderlo todo.
A diferencia de otras actrices, Marlene Dietrich no cambió su nombre, sólo hizo una pequeña modificación, la contracción de sus dos nombres de pila. Tomó el principio de uno, el final de otro y pasó de ser Marie Magdalene a Marlene. Ese gesto, esa reducción, que la hizo cuando tenía sólo once años, también forma parte de sus encantos.
Nació en 1901, un 27 de diciembre, hace exactamente 120 años. En aquel entonces Alemania era un imperio, el Imperio Alemán -que se formó en 1871 tras la unificación de seis territorios-, pero inmediatamente, con la derrota en la Primera Guerra Mundial y la abdicación de Guillermo II, se volvió una república. Marlene no tenía un año y su patria ya tenía otro régimen, el de la República de Weimar, la antesala a lo que finalmente, en 1933, asumió la riendas del país e hizo temblar al mundo entero: el nazismo de Adolf Hilter.
Atrevida y desprejuiciada, mantuvo una relación Edith Piaf, el romance más controvertido en la era dorada de Hollywood (AFP)
Pero la Dietrich, como la llamaban, era una acérrima antinazi. Durante la filmación de Knight Without Armour, en Londres, pocos meses antes de estallar la guerra, fue visitada por oficiales nazis que la tentaron con jugosos contratos para trabajar en Alemania como la principal estrella del III Reich; pero ella rechazó la oferta e inmediatamente solicitó la ciudadanía estadounidense, concedida en 1939.
Hija de una familia acomodada, tuvo buena educación. Estudió violín, canto y se volvió cinéfila. Debutó en un escenario como corista en un cabaret y de a poco fue tomando pequeños papeles. Todo iba bien porque el Berlín de finales de los años veinte tenía una efervescencia propia de la libertad, y ella contaba con toneladas de juventud y osadía. Muchos bares, muchos cabarets, mucha sexualidad, mucho travestismo, mucha cultura nocturna. Esa época fue clave para Marlene, donde creó su imagen, su propio personaje, el de su propia vida, que tenía características novedosas como androginia y bisexualidad.
Atrevida y desprejuiciada, mantuvo una relación Edith Piaf, el romance más controvertido en la era dorada de Hollywood. Demostraban públicamente su afecto, sin darle mayor importancia al hecho de que aún en la mitad del siglo XX, la homosexualidad seguía siendo penalizada.
Cuando la fama de Marlene había llegado a la cima, entre los años 30 y 50 del siglo pasado, aparecieron sus escándalos sexuales, que muchos años después fueron conociéndose en detalles. Compartía con Greta Garbo muchos de sus gustos: ambas disfrutaron de los amores de la escritora y poeta española Mercedes de Acosta. La Garbo no ocultaba su homosexualidad, en cambio Marlene Dietrich no tuvo reparos en alternar sus encuentros entre las sábanas tanto con varones como con señoras de la alta alcurnia.
La estrella de Hollywood no se privó de las caricias de Gary Cooper, Jean Gabín,John Wayne, Orson Welles, entre otras celebridades. Marlene Dietrich era pura dinamita sexual. “De la cabeza a los pies me hicieron para el amor, nací de esta manera y no puedo evitarlo”, cantaba en el ardoroso Ángel azul. Su lista de amantes fue interminable, su vida fue un derroche de glamour, erotismo y pasión.
Marlene Dietrich: enfrentó al nazismo y Goebbels hizo prohibir todas sus películas
A poco tiempo de su debut en la pantalla grande, conoció a su marido en el rodaje de Tragedia de amor(era ayudante del director) en 1923 y un año después tuvieron a su hija María Elisabeth. A partir de ahí su carrera artística entró en ascenso, sobre todo cuando en 1930 coprotagonizó El ángel azul, un clásico de la historia del cine que tres años después el régimen nazi prohibiría. Pero, ¿qué pasó en el medio? ¿Cómo llegó a ser censurada esta diva de los films?
Marlene Dietrich vio implosionar los valores de solidaridad de su patria desde Hollywood. Se fue en el treinta, luego del éxito que fue El ángel azul, a engrosar su carrera en la meca del cine. Cuando quiso volver, ya era tarde: la persecución a los judíos -muchos amigos suyos- ya había comenzado. Ella era una gran figura y el nazismo lo sabía. Joseph Goebbels, el ministro para la Ilustración Pública y Propaganda del Tercer Reich, lanzó una campaña en la prensa contra ella para que volviera a su país.
Los diarios oficialistas la acusaban de haber abandonado su patria. Marlene quería volver, pero su marido la convenció de que no, que hacerlo era una locura. Entonces se instaló en París. Allí recibió a artistas refugiados, judíos que escaparon como pudieron y a exiliados políticos. No podía creer el antisemitismo. Lo procesó, lo entendió y se propuso hacer algo: ayudar, como sea. Con dinero, con pasajes o con hospedaje se ofreció como una amiga a todos los perseguidos por el régimen nazi.
Tenía 90 años cuando Marlene Dietrich dejó este mundo. Fue un 6 de mayo de 1992 en la ciudad de París
Goebbels se enteró de esto y mandó oficiales a que la convencieran de volver a Alemania. Le ofrecieron mil cosas, sólo querían que filmara allí, que fuera un emblema del nazismo. Como Zarah Leander o Marika Rökk. Pero no, Marlene era diferente. Dijo que no. Los insultó en la cara. Es fácil imaginarla con el ceño fruncido y el semblante enfurecido al grito de “¡ustedes no puede hacer esto! Perseguir judíos, expulsar intelectuales, quemar libros… ¡Ustedes están locos!”.
A partir de ese encuentro, Goebbels entendió que no había forma de hacerla volver, entonces la consideró su enemiga. Le censuraron todas sus películas. Marruecos porque ofendía los ideales morales; Fatalidad porque trataba a los militares de cobardes; El cantar de los cantares porque atentaba contra la pureza moral de los alemanes.
Alemania estaba dividida. Cuando estuvo en ambos lugares del muro, las respuestas fueron muy diferentes. El público de Alemania Occidental la abucheó acusándola de traidora, y el de Alemania Oriental la aclamó como una heroína. Era parte del juego, no podía agradar a todo el mundo, especialmente a los que vieron en su firme posición anti nazi un interés pro norteamericano. Pero a diferencia de lo que muchos creyeron, su lucha era real. Por eso recibió diversos reconocimientos, como la Medalla Israelí al Valor en 1965.
En 1989 le declaró al diario La Vanguardia de España que, a pesar de la vida que había tenido, se sentía “la mujer más sola del mundo”.
Tenía 90 años cuando Marlene Dietrich dejó este mundo. Fue un 6 de mayo de 1992 en la ciudad de París. A partir de ese momento, la televisión y los cines les dedicaron muchos especiales. Millones de personas volvieron a verla en escena, como la primera vez, con sus ojos entreabiertos, la mirada potente llena de seguridad, como si tuviera todo bajo su control. La gran actriz alemana de un lado, radiante e impactante, y del otro lado de la pantalla, en frente, los espectadores, sus súbditos. No lloraron su muerte, simplemente la adoraron eternamente.
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De una belleza infinita, la diva cobró notoriedad con el film “El ángel azul”
Su increíble belleza y el halo de misterio que la envolvió durante toda su vida, convirtieron a Marlene Dietrich en una leyenda.
A la diva del cine no le regalaron nada. Para convertirse en la diva que fue tuvo que aprender inglés y, sobre todo, refinar su apariencia. Convirtió su figura robusta en esbelta, adelgazó 15 kilos y se depiló las cejas como Greta Garbo. Según los rumores que corrían en la época, Marlene se extrajo las muelas del juicio para lograr el efecto de un óvalo facial más anguloso. Aprendió a maquillarse y ensayó una y otra vez las posturas que más la favorecerían en pantalla. Convertida en mito, la actriz alemana quedó atada a esa extraordinaria apariencia, que cuidaría durante toda su vida para conservar esa enigmática presencia.
Los ojos de Marlene Dietrich siempre estaban entreabiertos. Los párpados caían levemente sobre sus pupilas y la sensación que transmitía es la de la seguridad. No hay sorpresa, ni miedo, ni espanto, ni euforia. Sólo tranquilidad. Todo está bajo su control. Una mirada potente, que parece entenderlo todo.
A diferencia de otras actrices, Marlene Dietrich no cambió su nombre, sólo hizo una pequeña modificación, la contracción de sus dos nombres de pila. Tomó el principio de uno, el final de otro y pasó de ser Marie Magdalene a Marlene. Ese gesto, esa reducción, que la hizo cuando tenía sólo once años, también forma parte de sus encantos.
Nació en 1901, un 27 de diciembre, hace exactamente 120 años. En aquel entonces Alemania era un imperio, el Imperio Alemán -que se formó en 1871 tras la unificación de seis territorios-, pero inmediatamente, con la derrota en la Primera Guerra Mundial y la abdicación de Guillermo II, se volvió una república. Marlene no tenía un año y su patria ya tenía otro régimen, el de la República de Weimar, la antesala a lo que finalmente, en 1933, asumió la riendas del país e hizo temblar al mundo entero: el nazismo de Adolf Hilter.
Atrevida y desprejuiciada, mantuvo una relación Edith Piaf, el romance más controvertido en la era dorada de Hollywood (AFP)
Pero la Dietrich, como la llamaban, era una acérrima antinazi. Durante la filmación de Knight Without Armour, en Londres, pocos meses antes de estallar la guerra, fue visitada por oficiales nazis que la tentaron con jugosos contratos para trabajar en Alemania como la principal estrella del III Reich; pero ella rechazó la oferta e inmediatamente solicitó la ciudadanía estadounidense, concedida en 1939.
Hija de una familia acomodada, tuvo buena educación. Estudió violín, canto y se volvió cinéfila. Debutó en un escenario como corista en un cabaret y de a poco fue tomando pequeños papeles. Todo iba bien porque el Berlín de finales de los años veinte tenía una efervescencia propia de la libertad, y ella contaba con toneladas de juventud y osadía. Muchos bares, muchos cabarets, mucha sexualidad, mucho travestismo, mucha cultura nocturna. Esa época fue clave para Marlene, donde creó su imagen, su propio personaje, el de su propia vida, que tenía características novedosas como androginia y bisexualidad.
Atrevida y desprejuiciada, mantuvo una relación Edith Piaf, el romance más controvertido en la era dorada de Hollywood. Demostraban públicamente su afecto, sin darle mayor importancia al hecho de que aún en la mitad del siglo XX, la homosexualidad seguía siendo penalizada.
Cuando la fama de Marlene había llegado a la cima, entre los años 30 y 50 del siglo pasado, aparecieron sus escándalos sexuales, que muchos años después fueron conociéndose en detalles. Compartía con Greta Garbo muchos de sus gustos: ambas disfrutaron de los amores de la escritora y poeta española Mercedes de Acosta. La Garbo no ocultaba su homosexualidad, en cambio Marlene Dietrich no tuvo reparos en alternar sus encuentros entre las sábanas tanto con varones como con señoras de la alta alcurnia.
La estrella de Hollywood no se privó de las caricias de Gary Cooper, Jean Gabín,John Wayne, Orson Welles, entre otras celebridades. Marlene Dietrich era pura dinamita sexual. “De la cabeza a los pies me hicieron para el amor, nací de esta manera y no puedo evitarlo”, cantaba en el ardoroso Ángel azul. Su lista de amantes fue interminable, su vida fue un derroche de glamour, erotismo y pasión.
Marlene Dietrich: enfrentó al nazismo y Goebbels hizo prohibir todas sus películas
A poco tiempo de su debut en la pantalla grande, conoció a su marido en el rodaje de Tragedia de amor(era ayudante del director) en 1923 y un año después tuvieron a su hija María Elisabeth. A partir de ahí su carrera artística entró en ascenso, sobre todo cuando en 1930 coprotagonizó El ángel azul, un clásico de la historia del cine que tres años después el régimen nazi prohibiría. Pero, ¿qué pasó en el medio? ¿Cómo llegó a ser censurada esta diva de los films?
Marlene Dietrich vio implosionar los valores de solidaridad de su patria desde Hollywood. Se fue en el treinta, luego del éxito que fue El ángel azul, a engrosar su carrera en la meca del cine. Cuando quiso volver, ya era tarde: la persecución a los judíos -muchos amigos suyos- ya había comenzado. Ella era una gran figura y el nazismo lo sabía. Joseph Goebbels, el ministro para la Ilustración Pública y Propaganda del Tercer Reich, lanzó una campaña en la prensa contra ella para que volviera a su país.
Los diarios oficialistas la acusaban de haber abandonado su patria. Marlene quería volver, pero su marido la convenció de que no, que hacerlo era una locura. Entonces se instaló en París. Allí recibió a artistas refugiados, judíos que escaparon como pudieron y a exiliados políticos. No podía creer el antisemitismo. Lo procesó, lo entendió y se propuso hacer algo: ayudar, como sea. Con dinero, con pasajes o con hospedaje se ofreció como una amiga a todos los perseguidos por el régimen nazi.
Tenía 90 años cuando Marlene Dietrich dejó este mundo. Fue un 6 de mayo de 1992 en la ciudad de París
Goebbels se enteró de esto y mandó oficiales a que la convencieran de volver a Alemania. Le ofrecieron mil cosas, sólo querían que filmara allí, que fuera un emblema del nazismo. Como Zarah Leander o Marika Rökk. Pero no, Marlene era diferente. Dijo que no. Los insultó en la cara. Es fácil imaginarla con el ceño fruncido y el semblante enfurecido al grito de “¡ustedes no puede hacer esto! Perseguir judíos, expulsar intelectuales, quemar libros… ¡Ustedes están locos!”.
A partir de ese encuentro, Goebbels entendió que no había forma de hacerla volver, entonces la consideró su enemiga. Le censuraron todas sus películas. Marruecos porque ofendía los ideales morales; Fatalidad porque trataba a los militares de cobardes; El cantar de los cantares porque atentaba contra la pureza moral de los alemanes.
Alemania estaba dividida. Cuando estuvo en ambos lugares del muro, las respuestas fueron muy diferentes. El público de Alemania Occidental la abucheó acusándola de traidora, y el de Alemania Oriental la aclamó como una heroína. Era parte del juego, no podía agradar a todo el mundo, especialmente a los que vieron en su firme posición anti nazi un interés pro norteamericano. Pero a diferencia de lo que muchos creyeron, su lucha era real. Por eso recibió diversos reconocimientos, como la Medalla Israelí al Valor en 1965.
En 1989 le declaró al diario La Vanguardia de España que, a pesar de la vida que había tenido, se sentía “la mujer más sola del mundo”.
Tenía 90 años cuando Marlene Dietrich dejó este mundo. Fue un 6 de mayo de 1992 en la ciudad de París. A partir de ese momento, la televisión y los cines les dedicaron muchos especiales. Millones de personas volvieron a verla en escena, como la primera vez, con sus ojos entreabiertos, la mirada potente llena de seguridad, como si tuviera todo bajo su control. La gran actriz alemana de un lado, radiante e impactante, y del otro lado de la pantalla, en frente, los espectadores, sus súbditos. No lloraron su muerte, simplemente la adoraron eternamente.
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Fue la mujer más bella del cine, millones la adoraban, pero muy joven eligió el retiro y el misterio
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Mientras que el papel de Samuel L. Jackson en Parque jurásico como Ray Arnold es pequeño, ciertamente tiene un impacto. Su cita, «Hold on to your butts», es icónica entre los fanáticos de la franquicia. Desafortunadamente, se insinúa fuertemente que Arnold se comió algunos velociraptores. Sin embargo, a Jackson le gusta creer que su Parque jurásico el personaje aún puede estar vivo.
Samuel L. Jackson originalmente tenía una escena de muerte en ‘Jurassic Park’
En Parque jurásico, Arnold es el ingeniero informático fumador empedernido que ayuda a operar el parque. Cuando se va la luz, se aventura a salir para volver a encenderla. No lo volvemos a ver, hasta que Ellie Sattler (Laura Dern) encuentra su brazo amputado. Parece que Arnold fue devorado por unos velociraptores fuera de la pantalla.
Sin embargo, Jackson dice que su personaje originalmente tenía una escena de muerte en la película. Terminó siendo cancelado, por lo que el director Steven Spielberg mató a su personaje fuera de la pantalla. En una entrevista con AV Club, Jackson dijo que su «escena de muerte» cambió debido a una tormenta.
“De hecho, se suponía que debía ir a Hawái para filmar la escena de mi muerte”, dijo Jackson. “Pero hubo un huracán que destruyó todos los decorados. Así que no pude ir a Hawái”.
Jackson cree que su personaje está «viajando en Velociraptors» en alguna parte
Lo más probable es que Arnold se haya convertido en cena de dinosaurio. Aún así, a Jackson le gusta creer que este personaje sigue vivo. En una entrevista con Josh Horowitz en el podcast Happy Sad Confused, se le pregunta a Jackson sobre la idea de volver a Guerra de las Galaxias como el Caballero Jedi, Mace Windu. Jackson cree que el Jedi está vivo en alguna parte, y también saca a relucir su Parque jurásico personaje.
“Es lo mismo que pienso sobre el tipo de Parque jurásico”, dijo Jackson. “Está en algún lugar montando velocirraptores con un solo brazo. Simplemente está en esa isla montando rapaces.
Arnold murió fuera de la pantalla, lo que significa que hay una pizca de esperanza de que todavía esté vivo. Aun así, no estuvo presente en el helicóptero que salió de la isla por lo que lleva un tiempo varado en esa isla tratando de sobrevivir a los dinosaurios con un solo brazo.
‘Jurassic World: Dominion’ traerá de vuelta a los miembros originales del elenco, pero Jackson no estará allí
▶» src=»https://www.youtube.com/embed/fb5ELWi-ekk?feature=oembed» frameborder=»0″ allow=»acelerómetro; auto-reproducción; portapapeles-escribir; medios cifrados; giroscopio; imagen en imagen» allowfullscreen>
Mundo Jurásico: Dominio está trayendo de vuelta a tres de los miembros del reparto de la primera Parque jurásico. Dern, Jeff Goldblum y Sam Neill regresarán para ayudar a Chris Pratt y Bryce Dallas Howard a detener a los dinosaurios que ahora andan sueltos por el mundo. El primer tráiler presenta unos hermosos paisajes de dinosaurios deambulando libremente, mientras la humanidad intenta evitar ser devorada.
Desafortunadamente, no parece que el Arnold de Jackson sea revivido para esta aventura.
Todavía está involucrado en franquicias masivas, como Marvel Cinematic Universe. Jackson ha interpretado a Nick Fury en varias películas y lo volverá a hacer en las próximas invasión secreta Serie que llega a Disney+. Actualmente, puedes ver a Jackson protagonizando el papel principal en Los últimos días de Ptomely Greyahora transmitiendo en Apple TV+.
Parque jurásico actualmente se está transmitiendo en HBO Max.
RELACIONADO: ‘Jurassic Park’: cómo Steven Spielberg se inspiró oscuramente en Walt Disney
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Mientras que el papel de Samuel L. Jackson en Parque jurásico como Ray Arnold es pequeño, ciertamente tiene un impacto. Su cita, «Hold on to your butts», es icónica entre los fanáticos de la franquicia. Desafortunadamente, se insinúa fuertemente que Arnold se comió algunos velociraptores. Sin embargo, a Jackson le gusta creer que su Parque jurásico el personaje aún puede estar vivo.
Samuel L. Jackson originalmente tenía una escena de muerte en ‘Jurassic Park’
En Parque jurásico, Arnold es el ingeniero informático fumador empedernido que ayuda a operar el parque. Cuando se va la luz, se aventura a salir para volver a encenderla. No lo volvemos a ver, hasta que Ellie Sattler (Laura Dern) encuentra su brazo amputado. Parece que Arnold fue devorado por unos velociraptores fuera de la pantalla.
Sin embargo, Jackson dice que su personaje originalmente tenía una escena de muerte en la película. Terminó siendo cancelado, por lo que el director Steven Spielberg mató a su personaje fuera de la pantalla. En una entrevista con AV Club, Jackson dijo que su «escena de muerte» cambió debido a una tormenta.
“De hecho, se suponía que debía ir a Hawái para filmar la escena de mi muerte”, dijo Jackson. “Pero hubo un huracán que destruyó todos los decorados. Así que no pude ir a Hawái”.
Jackson cree que su personaje está «viajando en Velociraptors» en alguna parte
Lo más probable es que Arnold se haya convertido en cena de dinosaurio. Aún así, a Jackson le gusta creer que este personaje sigue vivo. En una entrevista con Josh Horowitz en el podcast Happy Sad Confused, se le pregunta a Jackson sobre la idea de volver a Guerra de las Galaxias como el Caballero Jedi, Mace Windu. Jackson cree que el Jedi está vivo en alguna parte, y también saca a relucir su Parque jurásico personaje.
“Es lo mismo que pienso sobre el tipo de Parque jurásico”, dijo Jackson. “Está en algún lugar montando velocirraptores con un solo brazo. Simplemente está en esa isla montando rapaces.
Arnold murió fuera de la pantalla, lo que significa que hay una pizca de esperanza de que todavía esté vivo. Aun así, no estuvo presente en el helicóptero que salió de la isla por lo que lleva un tiempo varado en esa isla tratando de sobrevivir a los dinosaurios con un solo brazo.
‘Jurassic World: Dominion’ traerá de vuelta a los miembros originales del elenco, pero Jackson no estará allí
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Mundo Jurásico: Dominio está trayendo de vuelta a tres de los miembros del reparto de la primera Parque jurásico. Dern, Jeff Goldblum y Sam Neill regresarán para ayudar a Chris Pratt y Bryce Dallas Howard a detener a los dinosaurios que ahora andan sueltos por el mundo. El primer tráiler presenta unos hermosos paisajes de dinosaurios deambulando libremente, mientras la humanidad intenta evitar ser devorada.
Desafortunadamente, no parece que el Arnold de Jackson sea revivido para esta aventura.
Todavía está involucrado en franquicias masivas, como Marvel Cinematic Universe. Jackson ha interpretado a Nick Fury en varias películas y lo volverá a hacer en las próximas invasión secreta Serie que llega a Disney+. Actualmente, puedes ver a Jackson protagonizando el papel principal en Los últimos días de Ptomely Greyahora transmitiendo en Apple TV+.
Parque jurásico actualmente se está transmitiendo en HBO Max.
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Harrison Ford es uno de los actores más emblemáticos de Hollywood, un hombre que ha desempeñado papeles importantes en franquicias como Guerra de las Galaxias y Indiana Jones. Ford es ampliamente considerado como uno de los artistas más queridos, e incluso a la edad de 79 años, todavía se mantiene fuerte.
Sin embargo, mucho antes de que Ford fuera un actor de renombre, ganando elogios de la crítica y los fanáticos, era un hombre de clase trabajadora que solo intentaba llegar a fin de mes. Si bien algunos fanáticos devotos de Ford saben que trabajó como carpintero antes de triunfar como actor, probablemente pocos se den cuenta de que en realidad trabajó como roadie para la icónica banda de rock The Doors.
¿Cómo se relacionó Harrison Ford con los Doors?
Harrison Ford nació en Chicago, Illinois, en 1942. Criado en una familia de clase trabajadora, Ford se sintió atraído por la actuación a una edad temprana, trabajando en acciones de verano y tomando clases de teatro. En la década de 1960, Ford se mudó a Los Ángeles para comenzar su carrera cinematográfica, pero durante los primeros años solo obtuvo pequeños papeles en pequeñas producciones. Para ganar dinero extra, Ford centró su atención en otras actividades, todo mientras trabajaba en su carrera como actor. Se convirtió en carpintero, construyendo oficinas para ejecutivos de estudios durante el día y audicionando para películas entre presentaciones.
En 1968, Ford trabajaba como carpintero cuando aceptó un trabajo como roadie y asistente de cine para la banda de rock The Doors. Según la revista Far Out, Ford se alistó como camarógrafo de la segunda unidad para una película de un concierto con la banda, una experiencia que le dio una mirada profunda al estilo de vida del rock and roll. Como recordó Ford más tarde,
“Trabajé en una película de gira por carretera de The Doors, estuvimos alrededor de una semana y media. Una gira de conciertos. Cuando terminó, estaba a un paso de unirme a un monasterio jesuita. Pensé que era genial, pensé que era moderno, pero no podía seguir el ritmo de esos tipos. Fue demasiado.»
¿Cuándo consiguió Harrison Ford su gran papel destacado?
Ford bromeó sobre sus habilidades como operador de cámara y señaló: “Yo era parte del equipo de cámara, segunda cámara. No creo que nada de eso estuviera enfocado. [laughs]. Ni un poco de eso. Esos eran los viejos tiempos”. Afortunadamente para los fanáticos, existen imágenes de ese momento en la vida de Ford, con sitios como Quora que presentan una foto particularmente icónica del actor junto al legendario cantante Jim Morrison.
En última instancia, pasarían algunos años más antes de que Ford triunfara en Hollywood. Su primer papel memorable fue en la película de 1973 dirigida por George Lucas. Grafiti americano – y solo cuatro años después de eso, fue elegido como Han Solo en Guerra de las Galaxiasuno de los mayores éxitos de taquilla de todos los tiempos.
En ese momento, Ford trabajaba como carpintero en un área adyacente a donde trabajaba Lucas. Como el actor lo describió más tarde,
“Estaba trabajando en un elaborado pórtico de entrada a las oficinas de Francis Ford Coppola, trabajando como carpintero cuando George entró con Richard Dreyfuss para ser la primera de las entrevistas para Guerra de las Galaxias. De alguna manera eso hizo sonar una campana en George, y eventualmente me convertí en Han Solo”.
Harrison Ford es ahora un actor de gran éxito
Por supuesto, el papel de Ford en Guerra de las Galaxias fue solo la puerta de entrada a una carrera que ha sido increíblemente exitosa. A lo largo de las décadas, ha aparecido en películas como Blade Runner, Patriot Games, Lo que hay debajo y Presunto inocente. Una de las estrellas de acción más populares de todos los tiempos, Ford sigue siendo un actor en activo hasta el día de hoy y actualmente está desarrollando una nueva película de Indiana Jones.
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Harrison Ford es uno de los actores más emblemáticos de Hollywood, un hombre que ha desempeñado papeles importantes en franquicias como Guerra de las Galaxias y Indiana Jones. Ford es ampliamente considerado como uno de los artistas más queridos, e incluso a la edad de 79 años, todavía se mantiene fuerte.
Sin embargo, mucho antes de que Ford fuera un actor de renombre, ganando elogios de la crítica y los fanáticos, era un hombre de clase trabajadora que solo intentaba llegar a fin de mes. Si bien algunos fanáticos devotos de Ford saben que trabajó como carpintero antes de triunfar como actor, probablemente pocos se den cuenta de que en realidad trabajó como roadie para la icónica banda de rock The Doors.
¿Cómo se relacionó Harrison Ford con los Doors?
Harrison Ford nació en Chicago, Illinois, en 1942. Criado en una familia de clase trabajadora, Ford se sintió atraído por la actuación a una edad temprana, trabajando en acciones de verano y tomando clases de teatro. En la década de 1960, Ford se mudó a Los Ángeles para comenzar su carrera cinematográfica, pero durante los primeros años solo obtuvo pequeños papeles en pequeñas producciones. Para ganar dinero extra, Ford centró su atención en otras actividades, todo mientras trabajaba en su carrera como actor. Se convirtió en carpintero, construyendo oficinas para ejecutivos de estudios durante el día y audicionando para películas entre presentaciones.
En 1968, Ford trabajaba como carpintero cuando aceptó un trabajo como roadie y asistente de cine para la banda de rock The Doors. Según la revista Far Out, Ford se alistó como camarógrafo de la segunda unidad para una película de un concierto con la banda, una experiencia que le dio una mirada profunda al estilo de vida del rock and roll. Como recordó Ford más tarde,
“Trabajé en una película de gira por carretera de The Doors, estuvimos alrededor de una semana y media. Una gira de conciertos. Cuando terminó, estaba a un paso de unirme a un monasterio jesuita. Pensé que era genial, pensé que era moderno, pero no podía seguir el ritmo de esos tipos. Fue demasiado.»
¿Cuándo consiguió Harrison Ford su gran papel destacado?
Ford bromeó sobre sus habilidades como operador de cámara y señaló: “Yo era parte del equipo de cámara, segunda cámara. No creo que nada de eso estuviera enfocado. [laughs]. Ni un poco de eso. Esos eran los viejos tiempos”. Afortunadamente para los fanáticos, existen imágenes de ese momento en la vida de Ford, con sitios como Quora que presentan una foto particularmente icónica del actor junto al legendario cantante Jim Morrison.
En última instancia, pasarían algunos años más antes de que Ford triunfara en Hollywood. Su primer papel memorable fue en la película de 1973 dirigida por George Lucas. Grafiti americano – y solo cuatro años después de eso, fue elegido como Han Solo en Guerra de las Galaxiasuno de los mayores éxitos de taquilla de todos los tiempos.
En ese momento, Ford trabajaba como carpintero en un área adyacente a donde trabajaba Lucas. Como el actor lo describió más tarde,
“Estaba trabajando en un elaborado pórtico de entrada a las oficinas de Francis Ford Coppola, trabajando como carpintero cuando George entró con Richard Dreyfuss para ser la primera de las entrevistas para Guerra de las Galaxias. De alguna manera eso hizo sonar una campana en George, y eventualmente me convertí en Han Solo”.
Harrison Ford es ahora un actor de gran éxito
Por supuesto, el papel de Ford en Guerra de las Galaxias fue solo la puerta de entrada a una carrera que ha sido increíblemente exitosa. A lo largo de las décadas, ha aparecido en películas como Blade Runner, Patriot Games, Lo que hay debajo y Presunto inocente. Una de las estrellas de acción más populares de todos los tiempos, Ford sigue siendo un actor en activo hasta el día de hoy y actualmente está desarrollando una nueva película de Indiana Jones.
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Hace sesenta años Elizabeth Taylor y Richard Burton hicieron historia, tanto del cine como de la crónica rosa internacional. Los actores se conocieron en Roma, rodando ‘Cleopatra’ a las órdenes Josep L. Mankiewiz, y surgió una historia de amor que escandalizó a Hollywood. Ambos estaban casados y la publicación de las primeras imágenes besándose ... Read more";s:7:"content";a:1:{s:7:"encoded";s:10455:"
Hace sesenta años Elizabeth Taylor y Richard Burton hicieron historia, tanto del cine como de la crónica rosa internacional. Los actores se conocieron en Roma, rodando ‘Cleopatra’ a las órdenes Josep L. Mankiewiz, y surgió una historia de amor que escandalizó a Hollywood. Ambos estaban casados y la publicación de las primeras imágenes besándose provocó tal revuelo que generó la excomunión por parte del Vaticano y puso en peligro la carísima producción de la Fox.
Hace un par de años, Pia Lindström me comentó vía telefónica desde su apartamento de Nueva York que “un escándalo tapa a otro escándalo”, refiriéndose al protagonizado por su madre, Ingrid Bergman, que, estando casada con el neurocirujano Pette Lindström, cayó en los brazos del también casado Roberto Rossellini quien, a su vez, tenía como amante a Anna Magnani. La actriz sueca y el realizador italiano se enamoraron durante el rodaje de Stromboli, tierra de Dios (1949), y antes de su enlace había nacido un hijo, Roberto, que colmaría las páginas de la prensa rosa al ser uno de los novios de Carolina de Mónaco.
Unos años después, (casi) nadie se acordaba de aquel suceso, por el que Bergman fue castigada por la iglesia luterana y católica al tiempo que en el senado la denominaban “una gran influencia maligna”. Elizabeth Taylor y Richard Burton se encargaron de acaparar los titulares más sensacionalistas. A raíz del desembargo de las grandes producciones americanas en Roma porque el coste era inferior al de Hollywood, Robert Taylor y Deborah Kerr rodaron Qvo Vadis (1951) en Cinecittà y, al año siguiente, aterrizó Audrey Hepburn con su primera película, Vacaciones en Roma, que supuso su primer Óscar a la mejor actriz protagonista.
Por las ruinas de la ciudad eterna empezaron a pasearse otro tipo de dioses y diosas que encarnaban los nuevos conceptos de poder, belleza y seducción, como Ava Gardner, Anita Ekberg, Faruq I de Egipto, la exemperatriz Soraya, Walter Chiari, Franco Nero, Jayne Mansfield, Marcello Mastroianni, Sophia Loren… Había nacido Hollywood en el Tíber.
Cleopatra Taylor en Roma
Mientras Fellini rodaba La dolce vita (1960), que para los anales de la historia quedó como el filme que popularizó el término paparazzi, en California la Fox se desgañitaba por sacar adelante un mastodóntico proyecto, Cleopatra. Nadie se ponía de acuerdo en el reparto. Para la reina del Nilo tentaron a Susan Hayward, Joanne Woodward, Joan Collins y Audrey Hepburn; para dar vida a Marco Antonio se tuvo en cuenta a Kirk Douglas, Burt Lancaster y Anthony Franciosa y para el rol de Julio César a Cary Grant, Yul Brynner o Lawrence Olivier.
Liz Taylor en ‘Cleopatra’.
Finalmente, los elegidos fueron Elizabeth Taylor, Richard Burton y Rex Harrison. Daryl F. Zannuck, mandamás de los estudios, cedió a las pretensiones de la ‘reina del Nilo’ para firmar el primer gran contrato de la historia del cine. Se embolsó un millón de dólares, un 10 por ciento de los beneficios y gastos extras. Estas condiciones, añadidas a la baja de la estrella durante seis meses a causa de una traqueotomía que a punto estuvo de costarle la vida, casi arruinó a la Fox.
En Cinecittà saltaban chispas. Taylor y Burton vivían un romance secreto que no tardaría en llegar a oídos de los paparazzi. Para estos cazadores de intimidades, captar en actitud cariñosa a la actriz de los ojos violeta significaba un retiro digno de por vida. Elio Sorci, Tazio Secchiarolli, Marcello Geppetti, Pierluigi Praturlon, Felice Quinto, Nino Nanni o Arturo Zavattini acarreaban sus cámaras de arriba a abajo para intentar corroborar el rumor surgido en febrero de 1962. No lo tuvieron fácil debido a las extremas medidas de seguridad.
Cuatro meses después, el equipo técnico y artístico se trasladó al golfo de Nápoles, concretamente a la isla de Ischia, para rodar la escena de la batalla de Actium. Conscientes de la persecución de los fotógrafos, ambos enamorados viajaron en helicóptero. Durante los días que estuvieron en este paradisíaco lugar alquilaron un yate para descansar y, sin que ellos lo supieran, protagonizar el primer gran escándalo de Hollywood publicado. Un amigo de Marcello se chivó de que los protagonistas iban a descansar en un barco.
Cazados por la prensa
Durante dos días, Marcello Geppetti estuvo escondido entre unas rocas y unos arbustos esperando el gran momento. De repente, Liz (diminutivo que detestaba Taylor) y Richard se pusieron a tomar el sol tumbados en la cubierta del yate, hubo caricias, miradas cómplices, charlas calmadas y, por fin, el tan ansiado ósculo. Aquellas imágenes en blanco y negro y granuladas se publicaron en todo el mundo. Y ello fue posible a un invento que usaron profusamente los alemanes durante la II Guerra Mundial para vigilar de cerca a sus enemigos, el zum. De ahí la relación existente entre la guerra y la prensa rosa, ya que ambos ámbitos comparten el vocablo cazar.
Elizabeth Taylor y Richard Burton ‘cazados’ besándose en junio de 1962.
La escenificación del adulterio provocó que el matrimonio de ambos actores se fuera por la borda. Elizabeth se divorció del cantante Eddie Fisher, quien había dejado a su entonces esposa Debbie Reynolds y era padre de la celebérrima Carrie Fisher para casarse con la actriz mejor pagada de la época. La enemistad entre Taylor y Reynolds fue legendaria hasta que, décadas después, firmaron las paces.
Aquellas instantáneas influyeron decisivamente en la cultura de la celebridad porque, a partir de ese momento, los denominados ‘famosos’ empezaron a lidiar con serios problemas para trazar una línea entre su vida privada y su vida pública prefabricada que, hasta ese momento, había fabricado los departamentos de publicidad de la era dorada del cine gracias a los trabajos de George Hurrell, Norman Hartnell o Cecil Beaton, quienes mostraban a los intérpretes como auténticas divinidades envueltas en un halo de glamour ajenos a lo mundano.
Excomulgados por el Papa
Le Scandal, como lo bautizó Burton, marcó la diferencia. Las grandes estrellas de Hollywood empezaron a ser humanas. La pareja fue excomulgada por el Vaticano e injuriada por las Ligas de Decencia. Marco, hijo del paparazzi fallecido en 1998, explicó hace unos años a El Mundo que “Richard Burton en persona ofreció a mi padre 12 millones de liras para que retirara las fotos, pero él le soltó ‘yo trabajo para la prensa, no para la gente’, y las vendió al Sunday Pictorial [hoy Sunday Mirror]… Sybil, la mujer de Burton, también llamó al diario para evitar la publicación. “Señora”, le respondió el director, “es La Foto; si no la publico yo, mañana lo hará el New York Times”.
La volcánica isla se hizo mundialmente conocida por ese amor prohibido que desembocó en boda. Taylor y Burton se casaron por primera vez en 1964, dando comienzo a una de las historias de amor más fabulosas del siglo XX tras la protagonizada por los duques de Windsor. El resto, ya es historia. Borracheras, sueldos estratosféricos, avión y yate privados, la perla Peregrina de los Borbones, la puja con Onassis para comprar el diamante en forma de pera de 68 quilates… y todo lo demás conocido.
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Hace sesenta años Elizabeth Taylor y Richard Burton hicieron historia, tanto del cine como de la crónica rosa internacional. Los actores se conocieron en Roma, rodando ‘Cleopatra’ a las órdenes Josep L. Mankiewiz, y surgió una historia de amor que escandalizó a Hollywood. Ambos estaban casados y la publicación de las primeras imágenes besándose ... Read more";s:12:"atom_content";s:10455:"
Hace sesenta años Elizabeth Taylor y Richard Burton hicieron historia, tanto del cine como de la crónica rosa internacional. Los actores se conocieron en Roma, rodando ‘Cleopatra’ a las órdenes Josep L. Mankiewiz, y surgió una historia de amor que escandalizó a Hollywood. Ambos estaban casados y la publicación de las primeras imágenes besándose provocó tal revuelo que generó la excomunión por parte del Vaticano y puso en peligro la carísima producción de la Fox.
Hace un par de años, Pia Lindström me comentó vía telefónica desde su apartamento de Nueva York que “un escándalo tapa a otro escándalo”, refiriéndose al protagonizado por su madre, Ingrid Bergman, que, estando casada con el neurocirujano Pette Lindström, cayó en los brazos del también casado Roberto Rossellini quien, a su vez, tenía como amante a Anna Magnani. La actriz sueca y el realizador italiano se enamoraron durante el rodaje de Stromboli, tierra de Dios (1949), y antes de su enlace había nacido un hijo, Roberto, que colmaría las páginas de la prensa rosa al ser uno de los novios de Carolina de Mónaco.
Unos años después, (casi) nadie se acordaba de aquel suceso, por el que Bergman fue castigada por la iglesia luterana y católica al tiempo que en el senado la denominaban “una gran influencia maligna”. Elizabeth Taylor y Richard Burton se encargaron de acaparar los titulares más sensacionalistas. A raíz del desembargo de las grandes producciones americanas en Roma porque el coste era inferior al de Hollywood, Robert Taylor y Deborah Kerr rodaron Qvo Vadis (1951) en Cinecittà y, al año siguiente, aterrizó Audrey Hepburn con su primera película, Vacaciones en Roma, que supuso su primer Óscar a la mejor actriz protagonista.
Por las ruinas de la ciudad eterna empezaron a pasearse otro tipo de dioses y diosas que encarnaban los nuevos conceptos de poder, belleza y seducción, como Ava Gardner, Anita Ekberg, Faruq I de Egipto, la exemperatriz Soraya, Walter Chiari, Franco Nero, Jayne Mansfield, Marcello Mastroianni, Sophia Loren… Había nacido Hollywood en el Tíber.
Cleopatra Taylor en Roma
Mientras Fellini rodaba La dolce vita (1960), que para los anales de la historia quedó como el filme que popularizó el término paparazzi, en California la Fox se desgañitaba por sacar adelante un mastodóntico proyecto, Cleopatra. Nadie se ponía de acuerdo en el reparto. Para la reina del Nilo tentaron a Susan Hayward, Joanne Woodward, Joan Collins y Audrey Hepburn; para dar vida a Marco Antonio se tuvo en cuenta a Kirk Douglas, Burt Lancaster y Anthony Franciosa y para el rol de Julio César a Cary Grant, Yul Brynner o Lawrence Olivier.
Liz Taylor en ‘Cleopatra’.
Finalmente, los elegidos fueron Elizabeth Taylor, Richard Burton y Rex Harrison. Daryl F. Zannuck, mandamás de los estudios, cedió a las pretensiones de la ‘reina del Nilo’ para firmar el primer gran contrato de la historia del cine. Se embolsó un millón de dólares, un 10 por ciento de los beneficios y gastos extras. Estas condiciones, añadidas a la baja de la estrella durante seis meses a causa de una traqueotomía que a punto estuvo de costarle la vida, casi arruinó a la Fox.
En Cinecittà saltaban chispas. Taylor y Burton vivían un romance secreto que no tardaría en llegar a oídos de los paparazzi. Para estos cazadores de intimidades, captar en actitud cariñosa a la actriz de los ojos violeta significaba un retiro digno de por vida. Elio Sorci, Tazio Secchiarolli, Marcello Geppetti, Pierluigi Praturlon, Felice Quinto, Nino Nanni o Arturo Zavattini acarreaban sus cámaras de arriba a abajo para intentar corroborar el rumor surgido en febrero de 1962. No lo tuvieron fácil debido a las extremas medidas de seguridad.
Cuatro meses después, el equipo técnico y artístico se trasladó al golfo de Nápoles, concretamente a la isla de Ischia, para rodar la escena de la batalla de Actium. Conscientes de la persecución de los fotógrafos, ambos enamorados viajaron en helicóptero. Durante los días que estuvieron en este paradisíaco lugar alquilaron un yate para descansar y, sin que ellos lo supieran, protagonizar el primer gran escándalo de Hollywood publicado. Un amigo de Marcello se chivó de que los protagonistas iban a descansar en un barco.
Cazados por la prensa
Durante dos días, Marcello Geppetti estuvo escondido entre unas rocas y unos arbustos esperando el gran momento. De repente, Liz (diminutivo que detestaba Taylor) y Richard se pusieron a tomar el sol tumbados en la cubierta del yate, hubo caricias, miradas cómplices, charlas calmadas y, por fin, el tan ansiado ósculo. Aquellas imágenes en blanco y negro y granuladas se publicaron en todo el mundo. Y ello fue posible a un invento que usaron profusamente los alemanes durante la II Guerra Mundial para vigilar de cerca a sus enemigos, el zum. De ahí la relación existente entre la guerra y la prensa rosa, ya que ambos ámbitos comparten el vocablo cazar.
Elizabeth Taylor y Richard Burton ‘cazados’ besándose en junio de 1962.
La escenificación del adulterio provocó que el matrimonio de ambos actores se fuera por la borda. Elizabeth se divorció del cantante Eddie Fisher, quien había dejado a su entonces esposa Debbie Reynolds y era padre de la celebérrima Carrie Fisher para casarse con la actriz mejor pagada de la época. La enemistad entre Taylor y Reynolds fue legendaria hasta que, décadas después, firmaron las paces.
Aquellas instantáneas influyeron decisivamente en la cultura de la celebridad porque, a partir de ese momento, los denominados ‘famosos’ empezaron a lidiar con serios problemas para trazar una línea entre su vida privada y su vida pública prefabricada que, hasta ese momento, había fabricado los departamentos de publicidad de la era dorada del cine gracias a los trabajos de George Hurrell, Norman Hartnell o Cecil Beaton, quienes mostraban a los intérpretes como auténticas divinidades envueltas en un halo de glamour ajenos a lo mundano.
Excomulgados por el Papa
Le Scandal, como lo bautizó Burton, marcó la diferencia. Las grandes estrellas de Hollywood empezaron a ser humanas. La pareja fue excomulgada por el Vaticano e injuriada por las Ligas de Decencia. Marco, hijo del paparazzi fallecido en 1998, explicó hace unos años a El Mundo que “Richard Burton en persona ofreció a mi padre 12 millones de liras para que retirara las fotos, pero él le soltó ‘yo trabajo para la prensa, no para la gente’, y las vendió al Sunday Pictorial [hoy Sunday Mirror]… Sybil, la mujer de Burton, también llamó al diario para evitar la publicación. “Señora”, le respondió el director, “es La Foto; si no la publico yo, mañana lo hará el New York Times”.
La volcánica isla se hizo mundialmente conocida por ese amor prohibido que desembocó en boda. Taylor y Burton se casaron por primera vez en 1964, dando comienzo a una de las historias de amor más fabulosas del siglo XX tras la protagonizada por los duques de Windsor. El resto, ya es historia. Borracheras, sueldos estratosféricos, avión y yate privados, la perla Peregrina de los Borbones, la puja con Onassis para comprar el diamante en forma de pera de 68 quilates… y todo lo demás conocido.
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Durante el 2021, año en que regresaron tras estar separado 17 años, la actriz Jennifer Lopez y el productor Ben Affleck han sabido mantener bastante bien su amor a distancia, pues se han alejado en diversas ocasiones por motivos labores y este mes no es la excepción. JLo está comprometida con su carrera como actriz por lo que una de las parejas más mediáticas de Hollywood afronta una nueva prueba de fuego debido a compromisos laborales, ¿Cuáles son a casi un año de volver a ser novios?
TRIVIA |¿Qué tanto sabes de Jennifer Lopez?
Hace unas semanas, en medio de la promoción película ‘Marry Me’, la también cantante dejó en claro que valora mucho la cercanía con el actor y lo calificó de “milagro” sobre todo el “disfrutar de una segunda oportunidad” afirmando que “estamos enamorados”, por lo que una fuente cercana a ellos aseguró a Entertainment Tonightque “Ben y Jennifer están abiertos a esa posibilidad, la de comprometerse y terminar casándose. Los amigos más cercanos a la pareja están convencidos de que así será, y no les extrañaría nada que fuera Ben el que dé el primer paso”.
Jennifer Lopez avocada a su papel en ‘The Mother’
La ‘Diva del Bronx’ es la protagonista de ‘The Mother’, una película de Netflix que se estaba filmando hace algunas semanas en España y cuyo rodaje se tuvo que detener a causa de un contagio masivo de COVID-19 en el equipo. Con la emergencia superada, la actriz ha vuelto al rodaje donde se están haciendo algunas adaptaciones en Grandes Canarias para que la ciudad se parezca a La Habana, donde se desarrolla la historia.
En ella comparte roles con Gael García Bernal, Joseph Fiennes, Omari Hardwick, Paul Raci y Lucy Páez, quien encarnará a la hija de JLo, entre otros bajo la dirección de la neozelandesa Niki Caro.
En ‘The Mother’, Jennifer Lopez interpreta a una asesina a sueldo que trata de escapar de unos asaltantes e intentando mantener el anonimato para proteger a su hija.
Por su parte, Ben Affleck, quien ha sido comparado con Robert Pattinson por su papel de ‘Batman’ espera el estreno de “Deep Water” donde compartió roles con su expareja Ana de Armas, está también enfocado en la post producción de “The Flash” y según reportan medios internacionales tiene cuatro proyectos más que requieren su total atención.
JLo no ve una ruptura cercana con Ben Affleck
En una entrevista a la revista ‘Rolling Stone’, donde fue la portada en marzo, Jennifer Lopez habló sobre el momento de felicidad que experimenta tanto en lo personal como profesional y cómo siente que su proyecto de vida en común con Ben Affleck tiene un futuro esperanzador pues “ambos hemos crecido” y “somos iguales y somos diferentes y eso es lo bueno”.
“Siento que lo que hemos encontrado de nuevo es mucho más importante y sabemos cómo protegerlo y vivir nuestras vidas, qué compartir y qué no. Tenemos una situación más equilibrada ahora, nos beneficiamos de la experiencia y de la sabiduría que hemos ido adquiriendo con los años (…) Hemos aprendido mucho, sabemos lo que es real, lo que no es real”, reflexionó JLo.
¿Cómo retomaron la relación JLo y Ben Affleck?
‘Bennifer’ volvió a unirse en febrero de 2021 luego que el actor le enviara correos electrónicos mientras JLo estaba en plena crisis con Alex Rodríguez. JLo y el exjugador de béisbol anunciaron el final de su compromiso el 15 de abril. Tras varias semanas de encuentros, Jennifer Lopez y Ben Affleck oficializaron su relación en el cumpleaños 52 de la cantante mientras paseaban en un lujoso yate por el mar Mediterráneo.
Ellos protagonizaron la película ‘Gigli’ en el 2002 donde se enamoraron. En noviembre se comprometieron pero aplazaron su boda en septiembre del 2003, año en el que debutaron juntos en una alfombra roja; sin embargo, el fin de su relación sorprendió a todos en enero del 2004. Luego JLo se casó con Marc Anthony en junio de 2004 y en 2005, el ganador del Oscar lo hizo con Jennifer Garner.
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";}s:7:"summary";s:688:"Durante el 2021, año en que regresaron tras estar separado 17 años, la actriz Jennifer Lopez y el productor Ben Affleck han sabido mantener bastante bien su amor a distancia, pues se han alejado en diversas ocasiones por motivos labores y este mes no es la excepción. JLo está comprometida con su carrera como actriz ... Read more";s:12:"atom_content";s:6098:"
Durante el 2021, año en que regresaron tras estar separado 17 años, la actriz Jennifer Lopez y el productor Ben Affleck han sabido mantener bastante bien su amor a distancia, pues se han alejado en diversas ocasiones por motivos labores y este mes no es la excepción. JLo está comprometida con su carrera como actriz por lo que una de las parejas más mediáticas de Hollywood afronta una nueva prueba de fuego debido a compromisos laborales, ¿Cuáles son a casi un año de volver a ser novios?
TRIVIA |¿Qué tanto sabes de Jennifer Lopez?
Hace unas semanas, en medio de la promoción película ‘Marry Me’, la también cantante dejó en claro que valora mucho la cercanía con el actor y lo calificó de “milagro” sobre todo el “disfrutar de una segunda oportunidad” afirmando que “estamos enamorados”, por lo que una fuente cercana a ellos aseguró a Entertainment Tonightque “Ben y Jennifer están abiertos a esa posibilidad, la de comprometerse y terminar casándose. Los amigos más cercanos a la pareja están convencidos de que así será, y no les extrañaría nada que fuera Ben el que dé el primer paso”.
Jennifer Lopez avocada a su papel en ‘The Mother’
La ‘Diva del Bronx’ es la protagonista de ‘The Mother’, una película de Netflix que se estaba filmando hace algunas semanas en España y cuyo rodaje se tuvo que detener a causa de un contagio masivo de COVID-19 en el equipo. Con la emergencia superada, la actriz ha vuelto al rodaje donde se están haciendo algunas adaptaciones en Grandes Canarias para que la ciudad se parezca a La Habana, donde se desarrolla la historia.
En ella comparte roles con Gael García Bernal, Joseph Fiennes, Omari Hardwick, Paul Raci y Lucy Páez, quien encarnará a la hija de JLo, entre otros bajo la dirección de la neozelandesa Niki Caro.
En ‘The Mother’, Jennifer Lopez interpreta a una asesina a sueldo que trata de escapar de unos asaltantes e intentando mantener el anonimato para proteger a su hija.
Por su parte, Ben Affleck, quien ha sido comparado con Robert Pattinson por su papel de ‘Batman’ espera el estreno de “Deep Water” donde compartió roles con su expareja Ana de Armas, está también enfocado en la post producción de “The Flash” y según reportan medios internacionales tiene cuatro proyectos más que requieren su total atención.
JLo no ve una ruptura cercana con Ben Affleck
En una entrevista a la revista ‘Rolling Stone’, donde fue la portada en marzo, Jennifer Lopez habló sobre el momento de felicidad que experimenta tanto en lo personal como profesional y cómo siente que su proyecto de vida en común con Ben Affleck tiene un futuro esperanzador pues “ambos hemos crecido” y “somos iguales y somos diferentes y eso es lo bueno”.
“Siento que lo que hemos encontrado de nuevo es mucho más importante y sabemos cómo protegerlo y vivir nuestras vidas, qué compartir y qué no. Tenemos una situación más equilibrada ahora, nos beneficiamos de la experiencia y de la sabiduría que hemos ido adquiriendo con los años (…) Hemos aprendido mucho, sabemos lo que es real, lo que no es real”, reflexionó JLo.
¿Cómo retomaron la relación JLo y Ben Affleck?
‘Bennifer’ volvió a unirse en febrero de 2021 luego que el actor le enviara correos electrónicos mientras JLo estaba en plena crisis con Alex Rodríguez. JLo y el exjugador de béisbol anunciaron el final de su compromiso el 15 de abril. Tras varias semanas de encuentros, Jennifer Lopez y Ben Affleck oficializaron su relación en el cumpleaños 52 de la cantante mientras paseaban en un lujoso yate por el mar Mediterráneo.
Ellos protagonizaron la película ‘Gigli’ en el 2002 donde se enamoraron. En noviembre se comprometieron pero aplazaron su boda en septiembre del 2003, año en el que debutaron juntos en una alfombra roja; sin embargo, el fin de su relación sorprendió a todos en enero del 2004. Luego JLo se casó con Marc Anthony en junio de 2004 y en 2005, el ganador del Oscar lo hizo con Jennifer Garner.
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Roger Vivier es la marca de zapatos más emblemática del mundo. La maison nace en París en los años 30, cuando el señor Vivier, un artista dedicado a crear zapatos como quien hace realidad sueños, conoce en el famoso cabaret Folies Bergère a la actriz Joséphine Baker y empieza a hacerlos a medida para ella. A partir de entonces, muchas serán las estrellas internacionales cuyos pies vestirá el señor Vivier. Para Marlene Dietrich, crea el famoso “talon Boule”, un taco con forma redonda cubierto en strass. Para la coronación de la reina Isabel II, diseña tacos dorados con joyas incrustadas. En los 50, inventa el exitoso stiletto y, en los 60, el taco “Virgule”, que significa coma, e imita la forma del signo de puntuación, acuñando un estilo inédito en el universo del calzado.
En 1998, a los 91 años, Roger Vivier muere. Veinte años después, su legado caerá de manos del visionario Gherardo Felloni, un diseñador italiano que es hoy el director creativo de la maison. Desde que llegó, Felloni ha sabido llevar a la tradición de la marca hacia un horizonte joven, innovador, excéntrico y divertido.
La entrevista es en su oficina de la calle Faubourg Saint-Honoré, Gherardo Felloni, frente a escritorio moderno, espacioso y ordenado, con una biblioteca entre un rosa chicle y un rosa Dior. Así se dispone a hablar de cómo revoluciona los diseños de Roger Vivier sin que la marca deje de comunicar la historia que hay detrás de cada colección y cada zapato.
HÔTEL VIVIER. En cada habitación, una performance de artistas gentileza Vivier – Getty Images Europe
-¿Qué es para vos un zapato perfecto?
-Para mí, un zapato perfecto es, primero, un zapato que las mujeres deseen, que lo quieran tener. Eso es muy importante. Porque cuando hago un zapato que, por ejemplo, a mí me gusta, pero que a las mujeres no, hay algo que está mal. Pierde el sentido. Pero pasa. A veces, hacés algo y pensás que es lindo, y no lo es. El trabajo más importante que hago es pensar en cada paso que da una mujer en el mundo –diferentes tipos de mujer, porque me gusta vestir a mujeres distintas, e incluso una misma mujer puede ponerse cosas distintas a lo largo del día–, pero pienso realmente en cómo estas mujeres van a usar estos zapatos, y así hago zapatos más poderosos.
-¿Cómo es trabajar con Inès De La Fressange como embajadora de la marca.
-Lo maravilloso de Inès es que ella conoce a las mujeres mejor que yo, y conoce a las francesas, porque vivió acá toda su vida. Si yo necesito un consejo o lo que sea, siempre puedo contar con ella, tomar un café con ella, ir a su oficina y conversar. Es así como trabajamos. En general, el embajador es alguien que conoce el mundo que nos rodea desde un punto de vista distinto, lo que ayuda muchísimo. Y, por supuesto, ella nos apoya. Cuando llegué acá, ella fue la que me abrió la puerta, porque conoce a todo el mundo, conoce las dinámicas. Y sabés cómo es: un director creativo puede cambiar –yo no quiero que cambie, pero puede cambiar– pero ella se queda, es el corazón de la casa.
DE COLECCIÓN. Accesorios con vanguardia pero que respetan
la herenciagentileza Vivier
-¿Qué te inspira? El arte, el diseño de interiores, los sueños y las fantasías, eso lo leí, ¿pero hay algo más?
-La música. Soy realmente muy peculiar, porque encuentro inspiración básicamente en todas partes. Tengo una visión fuerte de las cosas, y no tengo miedo de todo aquello que está por afuera o más lejos. Lo puedo incluir en mi visión; sé cómo hacerlo y cómo hacer para que funcione. Entonces, me pueden inspirar cosas súper chic y también cosas súper trash. Todo. Si tuviera que decir algo, diría ¡los gatos! (se ríe). Los gatos me inspiran por cómo se ven –yo creo que se ven muy lindos–, pero también por cómo viven y se acercan a vos. Un gato es como un cliente. Al gato no lo podés forzar a hacer lo que vos quieras: estás obligado a hacer cosas que le gusten. Y lo mismo cuando tengo que encarar una colección. No soy un diseñador que imponga cosas. Yo hago cosas. Trato de acercarme a las exigencias y a las necesidades de las mujeres. Es una relación gatuna (se ríe).
-¿Cómo combinás tu ADN italiano con el francés de la maison?
-Primero, pienso que Italia y Francia se parecen bastante. Y tienen puntos de vista y enfoques totalmente distintos en muchas cosas, pero el punto de vista italiano en la moda francesa no es una novedad. En zapatos, por ejemplo. Desde los años 50, cuando Roger Vivier sacó su colección, la hizo en Italia.
-Y todas las grandes marcas hoy también hacen sus zapatos en Italia…
-Exacto. Hay una relación histórica entre Francia e Italia, y yo me siento muy cómodo. Creo que la actitud francesa está más ligada a la promoción. Los franceses siempre promocionan lo que hacen, incluso cuando no les gusta. Los italianos no; si no les gusta algo, no lo promocionan. Si hago unos zapatos que no me gustan, no los puedo promocionar. Un diseñador francés sí puede. Es una diferencia importante. Sobre todo porque ellos son muy buenos haciéndolo, entonces trato de tomar esto de la cultura francesa: ponerle a lo que hacés tu mejor esfuerzo para poder después promocionarlo.
-En términos de estilo, ¿tratás de traer algo del estilo italiano?
-Los franceses en general (porque es una generalización) son más conservadores. No son osados. No se animan a mucho. Son más minimalistas. Los italianos son más lúdicos, más alegres y más eclécticos. Acá es más burgués.
-¿Con qué frecuencia visitás los archivos de Roger Vivier y cuál fue tu primera experiencia?
-Mi manera de abordar los archivos es muy peculiar. Lo mío nunca fue agarrar una pieza vintage usada para copiarla. Jamás. Ni siquiera en mis experiencias laborales anteriores con Helmut Lang, en Miu Miu, en Dior. Odio eso por dos razones: primero, porque es muy fácil hacer algo viejo, porque ya está hecho, y también porque la anatomía del pie de las mujeres está siempre cambiando, y no podés hacer hoy la misma forma de antes. Es imposible, por más linda que sea la forma que tenían los zapatos en los años 50, por ejemplo, no las podés copiar hoy. Entonces, mi relación con los archivos cuando llegué acá –porque ése era uno de mis sueños, cuando firmé el contrato, una de las grandes razones que tenía era tener acceso a los archivos– fue tomarme quince días para abrir y mirar todo.
HÔTEL VIVIER. En cada habitación, una performance de artistas gentileza Vivier
-¿Dónde están los archivos?
-Eso que ves ahí (señala unas cajas numeradas y prolijamente ordenadas en los estantes de un mueble color rosa Dior en un rincón de la oficina), por ejemplo, es una parte del archivo. También está en algunos museos, en las fábricas… Es un archivo demasiado grande como para guardarlo en un solo lugar. Y lo que hice fue tomarme tiempo para revisarlo entero. Puse los zapatos que más me gustaban sobre la mesa y dije: “¿Qué tengo que sacar de acá? El sentimiento, nada más”. Miré uno por uno –porque cada zapato era diferente– pensando en lo que tenía de especial: el color, la forma. Sentía cómo la silueta de cada zapato era diferente de los demás, y me quedé con eso.
-¿Y mientras dibujabas?
-No. Después guardé todo el archivo, y no lo volví a ver nunca más.
-¿Y esto fue todo? ¿Solo lo viste una vez?
-Sí. Porque tenés que trabajar en tu mente. Tenés que poder recordar cosas, no copiarlas.
DE COLECCIÓN. Accesorios con vanguardia pero que respetan
la herenciagentileza Vivier
-Contame de tu infancia en la fábrica de zapatos.
-Toda mi familia está en Arezzo, nunca se mudaron. Yo me crié ahí. Mi padre trabajaba todo el día, mi madre trabajaba también, y a veces no tenían con quién dejarme, entonces mi padre me llevaba con él a la fábrica. Y me dejaba ahí. Porque yo era un niño muy independiente, estaba siempre escapándome, no me importaba nada…
-¿Dónde estaba la fábrica?
-Cerca de Arezzo. Mi tío, el hermano mayor de mi papá, inauguró la fábrica en 1958. Son seis hermanos, así que hay una diferencia de edad importante entre los dos. Y después la fábrica empezó a ser parte del Prada Group en los 2000. Cerraron la fábrica, y construyeron en su lugar una más grande: la vieja ya no existe más. Estaban acostumbrados a hacer Hermès y Gucci en los años 70.
-¿Y tu papá y tu tío siguen trabajando?
-No, mi tío es muy viejo ahora, vive aún, gracias a Dios, y mi padre dejó de trabajar hace dos años, porque tiene 78 años, pero siempre está ahí para aconsejarme.
-¿De chico visitabas la fábrica?
-Sí, iba a la fábrica, veía un pedazo de cuero, un pedazo de papel, y dibujaba. Era un juego. Captaba cosas. Tenía la oportunidad de mirar. Esto fue en los 80, y hasta los 90 tuve la oportunidad de ver desde el principio las colecciones de Hermès, de Gucci y después las de Prada, porque las primeras muestras las hacían allá. Conocía todos los tacos, todo, y eso me dio mucha confianza cuando empecé.
HÔTEL VIVIER. En cada habitación, una performance de artistas gentileza Vivier
-Pero estudiaste biología, ¿por qué?
-En esa época no me importaban los zapatos. Mi padre es un buen hombre, y no nos forzó ni a mí ni a mi hermano a hacer lo mismo que él. En ese momento, me gustaban los animales, la naturaleza, entonces estudié biología en Arezzo. Era un secundario con orientación en biología. Cuando terminé, dije “quiero ser arquitecto”. Y mi padre me dijo “no sos muy buen estudiante, ¿estás seguro?”. Creo que es el primer padre en no alentar a sus hijos a estudiar (risas). Pero de manera muy dulce, no de mala manera. Y entonces me dijo “están buscando a alguien para hacer una pasantía en Prada, porque necesitan alguien que sepa dibujar”. Y yo era muy bueno, porque pintaba en casa. “Si necesitás un poco de plata…”, me dijo. Pensé: “Ah, y te dan plata, bueno, dale, lo hago”. No me importaba nada el trabajo, cero, pero cuando hice la primera pasantía me encantó, y la renové, y después me dieron el primer contrato y me quedé diez años.
-¿Y luego de esos diez años en Prada?
-Me fui a Dior por cinco años y medio, digamos, después [Patrizio] Bertelli me llamó de nuevo, pero le dije “me quiero quedar en París, no quiero volver a Milán porque me mudé acá”. Pero cuando estaba en Prada, empecé con Helmut Lang. Fendi por dos años, y después Miu Miu.
-¿Cómo es tu proceso creativo cuando diseñás?
-En general, dibujo. Soy muy rápido dibujando, porque para mí es muy complicado explicarle a alguien lo que quiero, entonces lo dibujo.
-¿Y tenés un tema? Cuando llega el lanzamiento de prensa, ¿tu diseño cuenta una historia?
-Sí, básicamente cuando empiezo a hacer la colección ya tengo en mi cabeza una historia, porque pienso que hoy todo el mundo hace lindos zapatos y lindas carteras, entonces necesitás tener una historia atrás. Pero generalmente, hago un diseño, y una vez que está terminado empiezo a construir la historia. Para mí, no es algo que pensás antes, sino después.
-¿Cuál es la enseñanza más importante que aprendiste de tu padre y de tu tío del negocio de los zapatos en los años 50?
-Hay muchas enseñanzas técnicas, pero lo más importante que aprendí de mi padre es que hay que saber trabajar con la gente que tenés, y esto significa también entender qué es lo que mejor hacen. Porque en general la gente no sabe cuál es el mejor talento que tiene. Y a trabajar sabiendo a quién tenés enfrente, no solamente exigiéndoles cosas, sino sabiendo qué tienen para dar. Eso aprendí de mi padre, que la gente no siempre sabe lo que puede dar. Me pasa incluso con los artistas, que a veces tienen managers que hacen eso por ellos.
-¿Pasás mucho tiempo con la gente en la fábrica?
-Sí, la fábrica está en Marche. La campiña es muy linda y no tan conocida.
-¿Y qué aprendiste de tu tío?
Mi tío.. (se ríe)
-¿No tenías una buena relación?
-Sí, sí, muy buena. Pero era particular, porque él era el jefe en serio, el fundador de la fábrica. Mi tío era el verdadero zapatero. Esto quiere decir que si venía un diseñador y le decía quiero esto así, pero acá un poco más así, él le decía “perfecto”, y una semana después le entregaba lo que a él le parecía mejor. Es muy difícil ganar dinero haciendo zapatos, porque son muy caros, hay mucha tecnología, hacer un taco es muy caro, es por eso que los zapateros son siempre pobres (se ríe).
-¿Y alguna enseñanza que te haya quedado de él?
-Esto es una enseñanza. Ser inteligente a la hora de cambiar los diseños y pensar en lo que necesitás de verdad. Porque hay un enorme trabajo detrás, y cada vez que cambiás algo, hay que estar muy enfocado en que la gente entienda.
HÔTEL VIVIER. En cada habitación, una performance de artistas gentileza Vivier
-¿La moda y los zapatos es de lo que hablás mucho los domingos en la mesa?
-Depende. Trato de no ver gente de la moda o amigos que trabajen en la moda porque si no solo hablamos de moda (dice con tono bromista).
-¿Entonces la mayoría de tus amigos no son del mundo de la moda?
-No, tengo muchos amigos del mundo de la moda, pero trato de no verlos (risas). Pero mi novio es el director que escribió y dirigió las películas que hice para Roger Vivier, y es una pesadilla porque solo hablamos de esto (se ríe). Él es es italiano, de Nápoles. Andrea Danese. Es más joven que yo y tiene una mente brillante. Es director, y ahora está haciendo su primera película, que va a estrenarse en la próxima primavera. Nos conocimos en Nápoles y se mudó a París. Después con la pandemia nos fuimos a una casa que tengo en una isla, en Giglio, entonces ahora él sigue todavía ahí porque está escribiendo su película.
-¿Qué consejo te darías a un vos más joven?
-No empieces a trabajar en la industria de la moda. Estudiá ópera y sé tenor. (risas)
-¿Cuál fue el desafío más grande cuando empezaste en Roger Vivier?
-No arruinar esta marca. Me dije: quiero que mi paso por esta marca sea bueno, puedo lograrlo o no. Porque al principio no sabés cómo te va a ir. Ahora sé que hago un buen trabajo, que tenemos buenas ventas, que a todo el mundo le gusta, pero al principio no sabés. Y era mi primera vez como director creativo. Yo era solo un diseñador de zapatos, y eso fue lo que me dije: dejá de pensar demasiado y tratá de no arruinar la marca.
DE COLECCIÓN. Accesorios con vanguardia pero que respetan
la herenciagentileza Vivier
-De proteger la herencia…
-Sí, proteger la herencia, pero también vivir acá (se toca el corazón) algo bello, coherente, y no destruir la marca. Porque ahora –y no es la voluntad del diseñador– pero muchas marcas están, para mí, perdiendo algo. Esto de “vender, vender, vender” va a terminar. Va a ser un problema. Entonces no arruinar la marca, no olvidarse de la herencia, y no olvidar el savoir-faire de este negocio, porque me doy cuenta de que todo está de verdad muy bien hecho. Vivier es como el Hermès de los zapatos, entonces no cambiar eso.
-¿Cómo surgió el Hôtel Vivier? La idea de un Hôtel particulier que en cada habitación ofrece una performance de artistas presentando tu colección.
-Cuando llegué acá, tenía en mis manos una marca de zapatos que hacía carteras y accesorios, y hoy tenemos que ser consistentes en la comunicación, porque si no desaparecés. Y pensé: “¿Qué puedo hacer con Vivier?” Porque no tenemos desfiles… algo tenía que encontrar.
-Para que la gente quisiera venir
-Exacto. Entonces pensé: ¿qué es lo peor de Fashion Week para los periodistas, para la gente que viene? Ir a un desfile cinco minutos, mirar no sé qué, escribir un artículo, ir a otro desfile y así. Tenía que hacer algo que la gente disfrutara, que les diera ganas de venir. Pensé: tengo zapatos, pero no tengo un cuerpo, y así no puedo. Yo he trabajado en Prada, Gucci, con Helmut Lang, con Galliano, y mi escuela es que un zapato puede ser un objeto, claro, pero necesita una silueta y no quería modelos. Entonces me dije: me gusta la música, el cine, la ópera, el teatro, ¡hagamos un casting de performances!, y que cada habitación imagine a una mujer diferente que pueda ponerse este zapato. Y funcionó. Lo que tiene el Hôtel Vivier es que no hace falta obligar a la gente a hacer publicaciones en sus redes, porque es orgánico…
-¿Cómo fueron las primeras experiencias?
-Al principio, acá en Vivier, todos me miraban como si estuviera loco. Eso que querés hacer es una locura, hagámoslo esta primera temporada y después vemos… Pero yo estaba seguro de que a la gente le iba a encantar. Porque cuando hacés algo siguiendo tu pasión, la gente entiende. Y al final del primer Hôtel Vivier, a las siete, teníamos que cerrar y nadie se quería ir. Al principio, como se pensaba que nadie iba a venir, la mañana era bastante calma, pero después la gente empezó a publicarlo en sus redes y de golpe había cola afuera. Y así fue cada Hôtel Vivier; en el último había casi mil personas. Me hicieron tantos elogios, yo estaba muy feliz.
-Este año, para presentar la colección, te pusiste una máscara de monstruo subacuático, ¿por qué?
-Dos razones. La primera, porque cada vez que aparezco en el video lo tienen que hacer de nuevo. Que la luz no es buena, que se me ve muy cansado (risas)… Trato de estar en estos vídeos que hacemos en Roger Vivier, pero trabajo los dos días anteriores para preparar todo. Y cada vez que aparezco en cámara, ¡estoy horrible! Entonces esta vez dije “usemos una máscara, perfecto”. La segunda razón es porque compuse una canción. Como la canto, no quiero que la gente piense que soy pretencioso. Entonces pensé: no quiero estar en el video como que estoy yo cantando, ahí en escena. Cuando Andrea [Danese] lo escribió, había tantos animales que pensé, ¿y si yo también fuera un animal?
-¿Cómo te afectó la pandemia?
-Realmente creo que de la pandemia hay que aprender algo. No hay que olvidar. Porque veo que en este Fashion Week muchos están tratando de olvidar. Y eso está mal porque tenemos que recordar todas las cosas malas que la humanidad ha tenido en su historia, y hacer algo mejor después. Ahora entiendo que podemos trabajar desde donde sea que estemos. Lo sabíamos, pero ahora es un hecho. Creo que no tenemos que olvidarnos de lo digital, porque esta pandemia ha sido la prueba de que lo digital importa, porque la gente no puede tomarse un avión a cualquier lado cada cinco minutos. Me di cuenta de que no quiero vivir tan estresado como antes, aunque el Hôtel Vivier para mí ya había sido para mí una epifanía del tipo, porque vi a mucha gente demasiado estresada y dije no. Esto así no va. Para mí, la moda es algo orgánico.
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Roger Vivier es la marca de zapatos más emblemática del mundo. La maison nace en París en los años 30, cuando el señor Vivier, un artista dedicado a crear zapatos como quien hace realidad sueños, conoce en el famoso cabaret Folies Bergère a la actriz Joséphine Baker y empieza a hacerlos a medida para ella. A partir de entonces, muchas serán las estrellas internacionales cuyos pies vestirá el señor Vivier. Para Marlene Dietrich, crea el famoso “talon Boule”, un taco con forma redonda cubierto en strass. Para la coronación de la reina Isabel II, diseña tacos dorados con joyas incrustadas. En los 50, inventa el exitoso stiletto y, en los 60, el taco “Virgule”, que significa coma, e imita la forma del signo de puntuación, acuñando un estilo inédito en el universo del calzado.
En 1998, a los 91 años, Roger Vivier muere. Veinte años después, su legado caerá de manos del visionario Gherardo Felloni, un diseñador italiano que es hoy el director creativo de la maison. Desde que llegó, Felloni ha sabido llevar a la tradición de la marca hacia un horizonte joven, innovador, excéntrico y divertido.
La entrevista es en su oficina de la calle Faubourg Saint-Honoré, Gherardo Felloni, frente a escritorio moderno, espacioso y ordenado, con una biblioteca entre un rosa chicle y un rosa Dior. Así se dispone a hablar de cómo revoluciona los diseños de Roger Vivier sin que la marca deje de comunicar la historia que hay detrás de cada colección y cada zapato.
HÔTEL VIVIER. En cada habitación, una performance de artistas gentileza Vivier – Getty Images Europe
-¿Qué es para vos un zapato perfecto?
-Para mí, un zapato perfecto es, primero, un zapato que las mujeres deseen, que lo quieran tener. Eso es muy importante. Porque cuando hago un zapato que, por ejemplo, a mí me gusta, pero que a las mujeres no, hay algo que está mal. Pierde el sentido. Pero pasa. A veces, hacés algo y pensás que es lindo, y no lo es. El trabajo más importante que hago es pensar en cada paso que da una mujer en el mundo –diferentes tipos de mujer, porque me gusta vestir a mujeres distintas, e incluso una misma mujer puede ponerse cosas distintas a lo largo del día–, pero pienso realmente en cómo estas mujeres van a usar estos zapatos, y así hago zapatos más poderosos.
-¿Cómo es trabajar con Inès De La Fressange como embajadora de la marca.
-Lo maravilloso de Inès es que ella conoce a las mujeres mejor que yo, y conoce a las francesas, porque vivió acá toda su vida. Si yo necesito un consejo o lo que sea, siempre puedo contar con ella, tomar un café con ella, ir a su oficina y conversar. Es así como trabajamos. En general, el embajador es alguien que conoce el mundo que nos rodea desde un punto de vista distinto, lo que ayuda muchísimo. Y, por supuesto, ella nos apoya. Cuando llegué acá, ella fue la que me abrió la puerta, porque conoce a todo el mundo, conoce las dinámicas. Y sabés cómo es: un director creativo puede cambiar –yo no quiero que cambie, pero puede cambiar– pero ella se queda, es el corazón de la casa.
DE COLECCIÓN. Accesorios con vanguardia pero que respetan
la herenciagentileza Vivier
-¿Qué te inspira? El arte, el diseño de interiores, los sueños y las fantasías, eso lo leí, ¿pero hay algo más?
-La música. Soy realmente muy peculiar, porque encuentro inspiración básicamente en todas partes. Tengo una visión fuerte de las cosas, y no tengo miedo de todo aquello que está por afuera o más lejos. Lo puedo incluir en mi visión; sé cómo hacerlo y cómo hacer para que funcione. Entonces, me pueden inspirar cosas súper chic y también cosas súper trash. Todo. Si tuviera que decir algo, diría ¡los gatos! (se ríe). Los gatos me inspiran por cómo se ven –yo creo que se ven muy lindos–, pero también por cómo viven y se acercan a vos. Un gato es como un cliente. Al gato no lo podés forzar a hacer lo que vos quieras: estás obligado a hacer cosas que le gusten. Y lo mismo cuando tengo que encarar una colección. No soy un diseñador que imponga cosas. Yo hago cosas. Trato de acercarme a las exigencias y a las necesidades de las mujeres. Es una relación gatuna (se ríe).
-¿Cómo combinás tu ADN italiano con el francés de la maison?
-Primero, pienso que Italia y Francia se parecen bastante. Y tienen puntos de vista y enfoques totalmente distintos en muchas cosas, pero el punto de vista italiano en la moda francesa no es una novedad. En zapatos, por ejemplo. Desde los años 50, cuando Roger Vivier sacó su colección, la hizo en Italia.
-Y todas las grandes marcas hoy también hacen sus zapatos en Italia…
-Exacto. Hay una relación histórica entre Francia e Italia, y yo me siento muy cómodo. Creo que la actitud francesa está más ligada a la promoción. Los franceses siempre promocionan lo que hacen, incluso cuando no les gusta. Los italianos no; si no les gusta algo, no lo promocionan. Si hago unos zapatos que no me gustan, no los puedo promocionar. Un diseñador francés sí puede. Es una diferencia importante. Sobre todo porque ellos son muy buenos haciéndolo, entonces trato de tomar esto de la cultura francesa: ponerle a lo que hacés tu mejor esfuerzo para poder después promocionarlo.
-En términos de estilo, ¿tratás de traer algo del estilo italiano?
-Los franceses en general (porque es una generalización) son más conservadores. No son osados. No se animan a mucho. Son más minimalistas. Los italianos son más lúdicos, más alegres y más eclécticos. Acá es más burgués.
-¿Con qué frecuencia visitás los archivos de Roger Vivier y cuál fue tu primera experiencia?
-Mi manera de abordar los archivos es muy peculiar. Lo mío nunca fue agarrar una pieza vintage usada para copiarla. Jamás. Ni siquiera en mis experiencias laborales anteriores con Helmut Lang, en Miu Miu, en Dior. Odio eso por dos razones: primero, porque es muy fácil hacer algo viejo, porque ya está hecho, y también porque la anatomía del pie de las mujeres está siempre cambiando, y no podés hacer hoy la misma forma de antes. Es imposible, por más linda que sea la forma que tenían los zapatos en los años 50, por ejemplo, no las podés copiar hoy. Entonces, mi relación con los archivos cuando llegué acá –porque ése era uno de mis sueños, cuando firmé el contrato, una de las grandes razones que tenía era tener acceso a los archivos– fue tomarme quince días para abrir y mirar todo.
HÔTEL VIVIER. En cada habitación, una performance de artistas gentileza Vivier
-¿Dónde están los archivos?
-Eso que ves ahí (señala unas cajas numeradas y prolijamente ordenadas en los estantes de un mueble color rosa Dior en un rincón de la oficina), por ejemplo, es una parte del archivo. También está en algunos museos, en las fábricas… Es un archivo demasiado grande como para guardarlo en un solo lugar. Y lo que hice fue tomarme tiempo para revisarlo entero. Puse los zapatos que más me gustaban sobre la mesa y dije: “¿Qué tengo que sacar de acá? El sentimiento, nada más”. Miré uno por uno –porque cada zapato era diferente– pensando en lo que tenía de especial: el color, la forma. Sentía cómo la silueta de cada zapato era diferente de los demás, y me quedé con eso.
-¿Y mientras dibujabas?
-No. Después guardé todo el archivo, y no lo volví a ver nunca más.
-¿Y esto fue todo? ¿Solo lo viste una vez?
-Sí. Porque tenés que trabajar en tu mente. Tenés que poder recordar cosas, no copiarlas.
DE COLECCIÓN. Accesorios con vanguardia pero que respetan
la herenciagentileza Vivier
-Contame de tu infancia en la fábrica de zapatos.
-Toda mi familia está en Arezzo, nunca se mudaron. Yo me crié ahí. Mi padre trabajaba todo el día, mi madre trabajaba también, y a veces no tenían con quién dejarme, entonces mi padre me llevaba con él a la fábrica. Y me dejaba ahí. Porque yo era un niño muy independiente, estaba siempre escapándome, no me importaba nada…
-¿Dónde estaba la fábrica?
-Cerca de Arezzo. Mi tío, el hermano mayor de mi papá, inauguró la fábrica en 1958. Son seis hermanos, así que hay una diferencia de edad importante entre los dos. Y después la fábrica empezó a ser parte del Prada Group en los 2000. Cerraron la fábrica, y construyeron en su lugar una más grande: la vieja ya no existe más. Estaban acostumbrados a hacer Hermès y Gucci en los años 70.
-¿Y tu papá y tu tío siguen trabajando?
-No, mi tío es muy viejo ahora, vive aún, gracias a Dios, y mi padre dejó de trabajar hace dos años, porque tiene 78 años, pero siempre está ahí para aconsejarme.
-¿De chico visitabas la fábrica?
-Sí, iba a la fábrica, veía un pedazo de cuero, un pedazo de papel, y dibujaba. Era un juego. Captaba cosas. Tenía la oportunidad de mirar. Esto fue en los 80, y hasta los 90 tuve la oportunidad de ver desde el principio las colecciones de Hermès, de Gucci y después las de Prada, porque las primeras muestras las hacían allá. Conocía todos los tacos, todo, y eso me dio mucha confianza cuando empecé.
HÔTEL VIVIER. En cada habitación, una performance de artistas gentileza Vivier
-Pero estudiaste biología, ¿por qué?
-En esa época no me importaban los zapatos. Mi padre es un buen hombre, y no nos forzó ni a mí ni a mi hermano a hacer lo mismo que él. En ese momento, me gustaban los animales, la naturaleza, entonces estudié biología en Arezzo. Era un secundario con orientación en biología. Cuando terminé, dije “quiero ser arquitecto”. Y mi padre me dijo “no sos muy buen estudiante, ¿estás seguro?”. Creo que es el primer padre en no alentar a sus hijos a estudiar (risas). Pero de manera muy dulce, no de mala manera. Y entonces me dijo “están buscando a alguien para hacer una pasantía en Prada, porque necesitan alguien que sepa dibujar”. Y yo era muy bueno, porque pintaba en casa. “Si necesitás un poco de plata…”, me dijo. Pensé: “Ah, y te dan plata, bueno, dale, lo hago”. No me importaba nada el trabajo, cero, pero cuando hice la primera pasantía me encantó, y la renové, y después me dieron el primer contrato y me quedé diez años.
-¿Y luego de esos diez años en Prada?
-Me fui a Dior por cinco años y medio, digamos, después [Patrizio] Bertelli me llamó de nuevo, pero le dije “me quiero quedar en París, no quiero volver a Milán porque me mudé acá”. Pero cuando estaba en Prada, empecé con Helmut Lang. Fendi por dos años, y después Miu Miu.
-¿Cómo es tu proceso creativo cuando diseñás?
-En general, dibujo. Soy muy rápido dibujando, porque para mí es muy complicado explicarle a alguien lo que quiero, entonces lo dibujo.
-¿Y tenés un tema? Cuando llega el lanzamiento de prensa, ¿tu diseño cuenta una historia?
-Sí, básicamente cuando empiezo a hacer la colección ya tengo en mi cabeza una historia, porque pienso que hoy todo el mundo hace lindos zapatos y lindas carteras, entonces necesitás tener una historia atrás. Pero generalmente, hago un diseño, y una vez que está terminado empiezo a construir la historia. Para mí, no es algo que pensás antes, sino después.
-¿Cuál es la enseñanza más importante que aprendiste de tu padre y de tu tío del negocio de los zapatos en los años 50?
-Hay muchas enseñanzas técnicas, pero lo más importante que aprendí de mi padre es que hay que saber trabajar con la gente que tenés, y esto significa también entender qué es lo que mejor hacen. Porque en general la gente no sabe cuál es el mejor talento que tiene. Y a trabajar sabiendo a quién tenés enfrente, no solamente exigiéndoles cosas, sino sabiendo qué tienen para dar. Eso aprendí de mi padre, que la gente no siempre sabe lo que puede dar. Me pasa incluso con los artistas, que a veces tienen managers que hacen eso por ellos.
-¿Pasás mucho tiempo con la gente en la fábrica?
-Sí, la fábrica está en Marche. La campiña es muy linda y no tan conocida.
-¿Y qué aprendiste de tu tío?
Mi tío.. (se ríe)
-¿No tenías una buena relación?
-Sí, sí, muy buena. Pero era particular, porque él era el jefe en serio, el fundador de la fábrica. Mi tío era el verdadero zapatero. Esto quiere decir que si venía un diseñador y le decía quiero esto así, pero acá un poco más así, él le decía “perfecto”, y una semana después le entregaba lo que a él le parecía mejor. Es muy difícil ganar dinero haciendo zapatos, porque son muy caros, hay mucha tecnología, hacer un taco es muy caro, es por eso que los zapateros son siempre pobres (se ríe).
-¿Y alguna enseñanza que te haya quedado de él?
-Esto es una enseñanza. Ser inteligente a la hora de cambiar los diseños y pensar en lo que necesitás de verdad. Porque hay un enorme trabajo detrás, y cada vez que cambiás algo, hay que estar muy enfocado en que la gente entienda.
HÔTEL VIVIER. En cada habitación, una performance de artistas gentileza Vivier
-¿La moda y los zapatos es de lo que hablás mucho los domingos en la mesa?
-Depende. Trato de no ver gente de la moda o amigos que trabajen en la moda porque si no solo hablamos de moda (dice con tono bromista).
-¿Entonces la mayoría de tus amigos no son del mundo de la moda?
-No, tengo muchos amigos del mundo de la moda, pero trato de no verlos (risas). Pero mi novio es el director que escribió y dirigió las películas que hice para Roger Vivier, y es una pesadilla porque solo hablamos de esto (se ríe). Él es es italiano, de Nápoles. Andrea Danese. Es más joven que yo y tiene una mente brillante. Es director, y ahora está haciendo su primera película, que va a estrenarse en la próxima primavera. Nos conocimos en Nápoles y se mudó a París. Después con la pandemia nos fuimos a una casa que tengo en una isla, en Giglio, entonces ahora él sigue todavía ahí porque está escribiendo su película.
-¿Qué consejo te darías a un vos más joven?
-No empieces a trabajar en la industria de la moda. Estudiá ópera y sé tenor. (risas)
-¿Cuál fue el desafío más grande cuando empezaste en Roger Vivier?
-No arruinar esta marca. Me dije: quiero que mi paso por esta marca sea bueno, puedo lograrlo o no. Porque al principio no sabés cómo te va a ir. Ahora sé que hago un buen trabajo, que tenemos buenas ventas, que a todo el mundo le gusta, pero al principio no sabés. Y era mi primera vez como director creativo. Yo era solo un diseñador de zapatos, y eso fue lo que me dije: dejá de pensar demasiado y tratá de no arruinar la marca.
DE COLECCIÓN. Accesorios con vanguardia pero que respetan
la herenciagentileza Vivier
-De proteger la herencia…
-Sí, proteger la herencia, pero también vivir acá (se toca el corazón) algo bello, coherente, y no destruir la marca. Porque ahora –y no es la voluntad del diseñador– pero muchas marcas están, para mí, perdiendo algo. Esto de “vender, vender, vender” va a terminar. Va a ser un problema. Entonces no arruinar la marca, no olvidarse de la herencia, y no olvidar el savoir-faire de este negocio, porque me doy cuenta de que todo está de verdad muy bien hecho. Vivier es como el Hermès de los zapatos, entonces no cambiar eso.
-¿Cómo surgió el Hôtel Vivier? La idea de un Hôtel particulier que en cada habitación ofrece una performance de artistas presentando tu colección.
-Cuando llegué acá, tenía en mis manos una marca de zapatos que hacía carteras y accesorios, y hoy tenemos que ser consistentes en la comunicación, porque si no desaparecés. Y pensé: “¿Qué puedo hacer con Vivier?” Porque no tenemos desfiles… algo tenía que encontrar.
-Para que la gente quisiera venir
-Exacto. Entonces pensé: ¿qué es lo peor de Fashion Week para los periodistas, para la gente que viene? Ir a un desfile cinco minutos, mirar no sé qué, escribir un artículo, ir a otro desfile y así. Tenía que hacer algo que la gente disfrutara, que les diera ganas de venir. Pensé: tengo zapatos, pero no tengo un cuerpo, y así no puedo. Yo he trabajado en Prada, Gucci, con Helmut Lang, con Galliano, y mi escuela es que un zapato puede ser un objeto, claro, pero necesita una silueta y no quería modelos. Entonces me dije: me gusta la música, el cine, la ópera, el teatro, ¡hagamos un casting de performances!, y que cada habitación imagine a una mujer diferente que pueda ponerse este zapato. Y funcionó. Lo que tiene el Hôtel Vivier es que no hace falta obligar a la gente a hacer publicaciones en sus redes, porque es orgánico…
-¿Cómo fueron las primeras experiencias?
-Al principio, acá en Vivier, todos me miraban como si estuviera loco. Eso que querés hacer es una locura, hagámoslo esta primera temporada y después vemos… Pero yo estaba seguro de que a la gente le iba a encantar. Porque cuando hacés algo siguiendo tu pasión, la gente entiende. Y al final del primer Hôtel Vivier, a las siete, teníamos que cerrar y nadie se quería ir. Al principio, como se pensaba que nadie iba a venir, la mañana era bastante calma, pero después la gente empezó a publicarlo en sus redes y de golpe había cola afuera. Y así fue cada Hôtel Vivier; en el último había casi mil personas. Me hicieron tantos elogios, yo estaba muy feliz.
-Este año, para presentar la colección, te pusiste una máscara de monstruo subacuático, ¿por qué?
-Dos razones. La primera, porque cada vez que aparezco en el video lo tienen que hacer de nuevo. Que la luz no es buena, que se me ve muy cansado (risas)… Trato de estar en estos vídeos que hacemos en Roger Vivier, pero trabajo los dos días anteriores para preparar todo. Y cada vez que aparezco en cámara, ¡estoy horrible! Entonces esta vez dije “usemos una máscara, perfecto”. La segunda razón es porque compuse una canción. Como la canto, no quiero que la gente piense que soy pretencioso. Entonces pensé: no quiero estar en el video como que estoy yo cantando, ahí en escena. Cuando Andrea [Danese] lo escribió, había tantos animales que pensé, ¿y si yo también fuera un animal?
-¿Cómo te afectó la pandemia?
-Realmente creo que de la pandemia hay que aprender algo. No hay que olvidar. Porque veo que en este Fashion Week muchos están tratando de olvidar. Y eso está mal porque tenemos que recordar todas las cosas malas que la humanidad ha tenido en su historia, y hacer algo mejor después. Ahora entiendo que podemos trabajar desde donde sea que estemos. Lo sabíamos, pero ahora es un hecho. Creo que no tenemos que olvidarnos de lo digital, porque esta pandemia ha sido la prueba de que lo digital importa, porque la gente no puede tomarse un avión a cualquier lado cada cinco minutos. Me di cuenta de que no quiero vivir tan estresado como antes, aunque el Hôtel Vivier para mí ya había sido para mí una epifanía del tipo, porque vi a mucha gente demasiado estresada y dije no. Esto así no va. Para mí, la moda es algo orgánico.
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Jennifer Lopez fue captada llegando a un exclusivo gimnasio en Miami, Florida, para una de las exhaustivas sesiones de ejercicio a las que se somete para conservar su impresionante figura.
Si bien se encuentra vacacionando con Ben Affleck en una millonaria propiedad frente al mar, la cantante de 51 años decidió dejar a un lado su descanso para visitar el gimnasio privado en solitario.
Fue captada por los paparazzis destilando glamour y ostentocidad por las aceras de Miami ataviada con un conjunto deportivo morado de la marca Stax.
La cantante hizo alarde de su marcado abdomen con leggings morados de cintura alta y corte ajustado, a juego con un crop top de escote circular.
Al sensual look, JLo añadió amplios lentes de aviador oscuros, pendientes de aro grandes, zapatillas deportivas blancas con detalles grises y un lujoso bolso de mano Hermès Birkin de piel de cocodrilo valorado en los $129 mil dólares ($2.5 millones de pesos mexicanos).
Peinó su cabellera rubia en una cola de caballo alta, mientras que su rostro se lució definido con maquillaje bronceado, blush rosado y labial nude.
Foto: The Grosby Group
De acuerdo con los informes, fue en este gimnasio privado donde la Diva del Bronx fue vista con Ben compartiendo varios gestos románticos, entre ellos abrazos, besos y tomadas de la mano mientras se ejercitaban juntos.
Uno de los testigos le dijo a People “No estaban tratando de ocultar el hecho de que estaban juntos. Están muy interesados el uno en el otro y están juntos”.
Y agregó “A decir verdad, son personas realmente agradables. Nadie se para alrededor del gimnasio diciendo : ‘No te acerques a ellos’. Nadie los molesta, todos son respetuosos. Todo el mundo la ama. Todas las mujeres la están mirando y su rutina porque se ve increíble y es muy fuerte”.
Hace unos dia Us Weekly informó que la pareja retomó oficialmente el romance que dejaron inconcluso hace 17 años, cuando era una de las parejas de celebridades más fuertes y mediáticas de Hollywood.
Luego de que salieran a la luz las primeras fotos de ambos regresando de un romántico viaje a Montana, los fanáticos emocionados perdieron la cabeza y las redes sociales comenzaron a llenarse de throwbacks de las celebridades de hace 17 años y mensajes de apoyo.
Con anterioridad Ben había sido visto saliendo de la casa de Jennifer en Los Ángeles y posteriormente se reportó que habían rentado una mansión de $18 millones de dólares para vacacionar en Florida, en la cual todavía permanecen.
Mientras la pareja se encuentra trabajando en su noviazgo, el exprometido de JLo, Alex Rodriguez, fue visto también en Miami, dirigiéndose a su gimnasio, poco después fue captado por los paparazzis junto a su asistente.
Hace unos días, The Sun reportó que Alex había buscado a Madison LeCroy en medio de su ruptura con la actriz de 51 años, pero que ésta lo había ignorado.
Supuestamente el jugador retirado de los Yankees de Nueva York quería encontrarse con la estrella de los reality shows en el Campeonato de la PGA en Carolina del Sur.
Alex y Ben no son las únicas conquistas de Jennifer que se encuentran en Miami, después de su rutina de ejercicio, la celebridad de Hustlers fue captada almorzando con su exesposo Marc Anthony en una exclusiva terraza.
Al parecer ambos trataron de mantener su encuentro en privado para hablar de ellos y los hijos que comparten, sin embargo, los paparazzis los encontraron hablando bastante serios.
MA
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Jennifer Lopez fue captada llegando a un exclusivo gimnasio en Miami, Florida, para una de las exhaustivas sesiones de ejercicio a las que se somete para conservar su impresionante figura.
Si bien se encuentra vacacionando con Ben Affleck en una millonaria propiedad frente al mar, la cantante de 51 años decidió dejar a un lado su descanso para visitar el gimnasio privado en solitario.
Fue captada por los paparazzis destilando glamour y ostentocidad por las aceras de Miami ataviada con un conjunto deportivo morado de la marca Stax.
La cantante hizo alarde de su marcado abdomen con leggings morados de cintura alta y corte ajustado, a juego con un crop top de escote circular.
Al sensual look, JLo añadió amplios lentes de aviador oscuros, pendientes de aro grandes, zapatillas deportivas blancas con detalles grises y un lujoso bolso de mano Hermès Birkin de piel de cocodrilo valorado en los $129 mil dólares ($2.5 millones de pesos mexicanos).
Peinó su cabellera rubia en una cola de caballo alta, mientras que su rostro se lució definido con maquillaje bronceado, blush rosado y labial nude.
Foto: The Grosby Group
De acuerdo con los informes, fue en este gimnasio privado donde la Diva del Bronx fue vista con Ben compartiendo varios gestos románticos, entre ellos abrazos, besos y tomadas de la mano mientras se ejercitaban juntos.
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Y agregó “A decir verdad, son personas realmente agradables. Nadie se para alrededor del gimnasio diciendo : ‘No te acerques a ellos’. Nadie los molesta, todos son respetuosos. Todo el mundo la ama. Todas las mujeres la están mirando y su rutina porque se ve increíble y es muy fuerte”.
Hace unos dia Us Weekly informó que la pareja retomó oficialmente el romance que dejaron inconcluso hace 17 años, cuando era una de las parejas de celebridades más fuertes y mediáticas de Hollywood.
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Con anterioridad Ben había sido visto saliendo de la casa de Jennifer en Los Ángeles y posteriormente se reportó que habían rentado una mansión de $18 millones de dólares para vacacionar en Florida, en la cual todavía permanecen.
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Hace unos días, The Sun reportó que Alex había buscado a Madison LeCroy en medio de su ruptura con la actriz de 51 años, pero que ésta lo había ignorado.
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";s:14:"date_timestamp";i:1647712369;}i:7;a:11:{s:5:"title";s:104:"Jennifer Lopez y Maluma llevan a los fanáticos al backstage de ‘Marry Me’ en un nuevo video musical";s:4:"link";s:132:"https://newsweather.org/celebrity/jennifer-lopez-y-maluma-llevan-a-los-fanaticos-al-backstage-de-marry-me-en-un-nuevo-video-musical/";s:2:"dc";a:1:{s:7:"creator";s:12:"Sally Scully";}s:7:"pubdate";s:31:"Sat, 19 Mar 2022 13:51:44 +0000";s:8:"category";s:78:"CelebritybackstagefanáticosJenniferllevanLopezlosMalumamarrymusicalnuevoVideo";s:4:"guid";s:32:"https://newsweather.org/?p=43016";s:11:"description";s:754:"JLo está dando a los fans un detrás de cámaras de su película Marry Me con el nuevo video musical de “Marry Me”. El viernes, Jennifer López y Maluma lanzaron el video por la canción principal de su reciente comedia romántica en Facebook Watch. La imagen sigue a los cantantes mientras repiten sus papeles como ... Read more";s:7:"content";a:1:{s:7:"encoded";s:5381:"
JLo está dando a los fans un detrás de cámaras de su película Marry Me con el nuevo video musical de “Marry Me”. El viernes, Jennifer López y Maluma lanzaron el video por la canción principal de su reciente comedia romántica en Facebook Watch. La imagen sigue a los cantantes mientras repiten sus papeles como Kat Valdez y Bastian, dando una mirada interna a cómo se preparan para sus papeles.
El video comienza con López cantando las primeras notas de la canción, un pop bang animado, en una cabina de grabación. (Gente informó que el video fue filmado en el set con su novio, Ben Affleck, mirando).
“Cásate conmigo, cásate conmigo, di sí/ Cásate conmigo, cásate conmigo, di sí/ Por el resto, el resto de tu vida”, canta en el coro.
Al final de la canción, Maluma comparte un verso relajante en español: “Si me das tu mano, te lo juro por mi vida que seré file/Y aunque pasen cosas buenas y cosas malas, yo siempre estaré/Cuidándote”. (En español: “Si me das la mano, promete serte siempre leal/Aunque pasen cosas buenas y malas, siempre estaré aquí/Cuidándote”).
López y Maluma lanzaron la banda sonora del álbum el 4 de febrero, una semana antes del estreno de la película en Peacock. “No se puede tener una película sobre dos estrellas del pop que actúan y no tener una banda sonora”, dijo López. Carteleras. “Pero el álbum fue muy difícil porque no estaba haciendo un álbum de J.Lo. Estaba escribiendo canciones para la historia”.
En el artículo de portada de marzo de López con piedra rodantehabló sobre cómo ha tenido que «tomar mi carrera en mis propias manos» al producir algunas de sus propias películas, como Marry Me y buscavidas, a través de su compañía Nuyorican Productions. “Ni siquiera conozco la mitad de las películas cuando se estrenan a fin de año”, dijo. “Tengo los mejores agentes del mundo, pero [those projects] no vengas a mí.
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JLo está dando a los fans un detrás de cámaras de su película Marry Me con el nuevo video musical de “Marry Me”. El viernes, Jennifer López y Maluma lanzaron el video por la canción principal de su reciente comedia romántica en Facebook Watch. La imagen sigue a los cantantes mientras repiten sus papeles como Kat Valdez y Bastian, dando una mirada interna a cómo se preparan para sus papeles.
El video comienza con López cantando las primeras notas de la canción, un pop bang animado, en una cabina de grabación. (Gente informó que el video fue filmado en el set con su novio, Ben Affleck, mirando).
“Cásate conmigo, cásate conmigo, di sí/ Cásate conmigo, cásate conmigo, di sí/ Por el resto, el resto de tu vida”, canta en el coro.
Al final de la canción, Maluma comparte un verso relajante en español: “Si me das tu mano, te lo juro por mi vida que seré file/Y aunque pasen cosas buenas y cosas malas, yo siempre estaré/Cuidándote”. (En español: “Si me das la mano, promete serte siempre leal/Aunque pasen cosas buenas y malas, siempre estaré aquí/Cuidándote”).
López y Maluma lanzaron la banda sonora del álbum el 4 de febrero, una semana antes del estreno de la película en Peacock. “No se puede tener una película sobre dos estrellas del pop que actúan y no tener una banda sonora”, dijo López. Carteleras. “Pero el álbum fue muy difícil porque no estaba haciendo un álbum de J.Lo. Estaba escribiendo canciones para la historia”.
En el artículo de portada de marzo de López con piedra rodantehabló sobre cómo ha tenido que «tomar mi carrera en mis propias manos» al producir algunas de sus propias películas, como Marry Me y buscavidas, a través de su compañía Nuyorican Productions. “Ni siquiera conozco la mitad de las películas cuando se estrenan a fin de año”, dijo. “Tengo los mejores agentes del mundo, pero [those projects] no vengas a mí.
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Marlene Dietrich cultivó relaciones amorosas y sexuales con muchos hombres y mujeres del mundo del espectáculo
Las celebridades femeninas fueron quienes mejor representaron a Hollywood durante la época dorada, siendo su belleza, talento y estilo lo que las posicionó en el centro de la mirada pública. Tales son los casos de Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, quienes, como muchas otras celebridades, bajo el star system, método utilizado para dirigir la carrera y la vida de las actrices, se convirtieron en iconos, mitificadas en la cultura popular. Son muchas las actrices de esta época que aún resaltan por su talento y belleza, incluso por su vida fuera de cámaras, pero un caso bastante destacable es el de la alemana Marlene Dietrich, la novena mejor estrella femenina de todos los tiempos y uno de los más evidentes hitos del cine hollywoodense.
La vida de Marlene Dietrch estuvo llena de amoríos con hombres y mujeres, papeles transgresores que mostraron en pantalla escenas escandalosas para la época y una marcada ideología antinazi. Lo anterior contribuyó a forjar su mito dentro de la cultura popular, siendo hasta su muerte una leyenda viviente que muchos recuerdan por su estilo en ocasiones andrógino y por su sensualidad.
Con Josef von Sternberg trabajó en la primera película sonora europea, El ángel azul, en 1930. En una para entonces polémica escena de este drama musical mostró sus muslos, lo que la convirtió en la primera actriz hollywoodense en realizar semejante “acto”. Con Sternberg Marlene grabó siete películas, en las que interpretó papeles que construyeron su mito en la pantalla. Tal vez por eso afirmó en sus memorias que nació dos veces: la primera en Berlín en 1901 y la segunda en 1930 ante la cámara de Sternberg, ya que el director redefinió la imagen de la actriz al estilizar su cuerpo, resaltar sus pómulos y disimular su nariz ancha. Además, la hizo perfeccionar su inglés y, junto con Travis Banton, diseñó para ella un estilo de ropa que la caracterizaría por años, en los que representaría en la realidad la fantasía que de ella se proyectaba en la pantalla del cine. La actriz vivía por y para su imagen y Sternberg la convirtió en una fantasía viviente de piernas sensuales y mirada tentadora que podía cautivar a cualquier hombre o mujer.
Con Paramount participó en películas importantes para la industria, interpretando papeles completamente transgresores que irrumpieron el lo que se mostraba en la pantalla, como en el caso de Marruecos (1930), de Sternberg, coprotagonizada por Gary Cooper, cinta en la que Dietrich interpretó a Amy Jolly, uno de los papeles más importantes en su carrera.
La actriz capotó la atención de público por la escena en la que aparece vestida con un esmoquin, actuando con masculinidad y besando a una mujer en un cabaret. El papel de Amy Jolly acentuó su perfil andrógino y mostró su versatilidad. Dicha actuación se quedó grabada en la memoria colectiva del cine, pues en la época no era común ver a una mujer actuar de tal manera.
Dietrich como Amy Jolly
El estallido de la Segunda Guerra Mundial marcó su vida y su carrera. Se le ofreció ser un icono nazi y rodar películas de propaganda alemana, a lo que ella se negó. Joseph Goebbels, ministro para la Ilustración Pública y Propaganda del Tercer Reich, organizó una campaña en contra de la actriz, al acusarla de traicionar a su patria, por lo que sus películas comenzaron a ser censuradas y prohibidas por las campañas nazi. Pero desde el exterior la actriz se convirtió en ayudante de aquellos que estaban siendo perseguidos por el Gobierno de Adolf Hitler.
Fue amiga de los perseguidos por el Tercer Reich, cosa que no le venía bien al Gobierno alemán, así que Goebbels la convirtió en enemiga pública: se dijo que sus películas estaban en contra de cualquier valor y moralidad porque no cumplían con ningún ideal decente, ofensas para los soldados e incluso se condenó de la poca pureza que se encontraba en su filmografía.
Dietrich recibiendo a las tropas Aliadas al finalizar la Guerra
Participó en varios shows para los soldados aliados y en París ayudó a muchos judíos y refugiados políticos a huir a otro país. Se mantuvo firme en su antinazismo, pero ello le costó su relación con su hermana mayor, quien mantuvo vínculo con altos mandos y soldados nazis. Las acciones de Dietrich fueron aplaudidas por muchos y detestadas por otros, por lo que su público quedó dividido.
En los años 60 pudo regresar a Alemania, una nación que se encontraba fragmentada. El muro había vuelto a dividir el territorio: en Alemania oriental era aclamada, aplaudida por su labor contra el régimen nazi y fue tratada como heroína, mientras que en Alemania occidental se le tachó de traidora. Sin poder agradar a todo el público, siempre fue firme en a su ideología política.
Junto a soldados del bloque aliado
Marlene Dietrich cultivó relaciones amorosas y sexuales con muchos hombres y mujeres del mundo del espectáculo, entre las cuales se pueden destacar sus vínculos con Edith Piaf, John Wayne, Rudolf Sieber (con quien se casó y tuvo una hija, María Riva), Mercedes de Acosta, James Stewart, Gary Cooper y Jean Gabin. La actriz nunca se identificó como lesbiana o bisexual, pero siempre vivió abierta a la posibilidad de un nuevo amor. Vivió su sexualidad abiertamente tanto en pantalla como en la realidad y representó la liberación femenina de la sexualidad en su época.
No tuvo miedo de vivir su sexualidad como a ella le apetecía, esquivando el puritanismo de la época y las normas del código de conducta hollywoodense, que impedía mostrar en pantalla la homosexualidad y tendía a hacer que sus actrices mantuvieran en secreto su orientación, aunque esto fuera un secreto público que reunía a las actrices en el famoso “Círculo de la Costura” un término utilizado para referirse a las celebridades identificadas como lesbianas y bisexuales.
Marlene Dietrich y Edith Piaf
El agobio de la vejez y la mirada con añoranza a la juventud que ya se había ido la hicieron experimentar el último periodo de su vida en reposo, en su departamento de París, al resguardo de su única hija, María Riva. Dietrich entonces se aficionó a escribir poemas y cartas, procurando resguardar hasta el último momento su imagen mítica. Falleció el 6 de mayo de 1992 a la edad de 90 años. Su cuerpo fue llevado de París a Berlín para ser enterrado al lado de su madre, tal y como había decretado que fuera su última voluntad. Su féretro estuvo cubierto por la bandera estadounidense y sus restos reposan en el Cementerio Municipal de Berlín-Schöneberg.
Marlene Dietrich sigue siendo un ícono del cine, el teatro y el canto, además de un referente constante de la industria cinematográfica. Los papeles a los que dio vida fueron transgresores, pues rompieron estereotipos. Cada mujer que representó se caracterizó por cambiar el esquema de la feminidad tradicional. Más allá de la pantalla, ejerció su sexualidad con libertad al liberarse de los prejuicios de la época. Como alemana fue odiada y amada por un público que estuvo marcado por una fuerte guerra, pero su figura fue catalogada como el de una heroína en los peores tiempos de la humanidad. Marlene Dietrich es, con todo, una de las más evidentes leyendas del séptimo arte con una trayectoria y un legado digno de ser recordado.
***
Algunas personas parecen destinadas para encauzar el rumbo de la historia con sus acciones. Entre las celebridades femeninas además ha habido más obstáculos a vencer, como el sexismo. La historia de cómo Marilyn Monroe ayudó a que la carrera de Ella Fitzgerald trasciende toda barrera de raza y género, basada en el reconocimiento de un talento que tarde o temprano tenía que ser reconocido.
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Marlene Dietrich cultivó relaciones amorosas y sexuales con muchos hombres y mujeres del mundo del espectáculo
Las celebridades femeninas fueron quienes mejor representaron a Hollywood durante la época dorada, siendo su belleza, talento y estilo lo que las posicionó en el centro de la mirada pública. Tales son los casos de Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, quienes, como muchas otras celebridades, bajo el star system, método utilizado para dirigir la carrera y la vida de las actrices, se convirtieron en iconos, mitificadas en la cultura popular. Son muchas las actrices de esta época que aún resaltan por su talento y belleza, incluso por su vida fuera de cámaras, pero un caso bastante destacable es el de la alemana Marlene Dietrich, la novena mejor estrella femenina de todos los tiempos y uno de los más evidentes hitos del cine hollywoodense.
La vida de Marlene Dietrch estuvo llena de amoríos con hombres y mujeres, papeles transgresores que mostraron en pantalla escenas escandalosas para la época y una marcada ideología antinazi. Lo anterior contribuyó a forjar su mito dentro de la cultura popular, siendo hasta su muerte una leyenda viviente que muchos recuerdan por su estilo en ocasiones andrógino y por su sensualidad.
Con Josef von Sternberg trabajó en la primera película sonora europea, El ángel azul, en 1930. En una para entonces polémica escena de este drama musical mostró sus muslos, lo que la convirtió en la primera actriz hollywoodense en realizar semejante “acto”. Con Sternberg Marlene grabó siete películas, en las que interpretó papeles que construyeron su mito en la pantalla. Tal vez por eso afirmó en sus memorias que nació dos veces: la primera en Berlín en 1901 y la segunda en 1930 ante la cámara de Sternberg, ya que el director redefinió la imagen de la actriz al estilizar su cuerpo, resaltar sus pómulos y disimular su nariz ancha. Además, la hizo perfeccionar su inglés y, junto con Travis Banton, diseñó para ella un estilo de ropa que la caracterizaría por años, en los que representaría en la realidad la fantasía que de ella se proyectaba en la pantalla del cine. La actriz vivía por y para su imagen y Sternberg la convirtió en una fantasía viviente de piernas sensuales y mirada tentadora que podía cautivar a cualquier hombre o mujer.
Con Paramount participó en películas importantes para la industria, interpretando papeles completamente transgresores que irrumpieron el lo que se mostraba en la pantalla, como en el caso de Marruecos (1930), de Sternberg, coprotagonizada por Gary Cooper, cinta en la que Dietrich interpretó a Amy Jolly, uno de los papeles más importantes en su carrera.
La actriz capotó la atención de público por la escena en la que aparece vestida con un esmoquin, actuando con masculinidad y besando a una mujer en un cabaret. El papel de Amy Jolly acentuó su perfil andrógino y mostró su versatilidad. Dicha actuación se quedó grabada en la memoria colectiva del cine, pues en la época no era común ver a una mujer actuar de tal manera.
Dietrich como Amy Jolly
El estallido de la Segunda Guerra Mundial marcó su vida y su carrera. Se le ofreció ser un icono nazi y rodar películas de propaganda alemana, a lo que ella se negó. Joseph Goebbels, ministro para la Ilustración Pública y Propaganda del Tercer Reich, organizó una campaña en contra de la actriz, al acusarla de traicionar a su patria, por lo que sus películas comenzaron a ser censuradas y prohibidas por las campañas nazi. Pero desde el exterior la actriz se convirtió en ayudante de aquellos que estaban siendo perseguidos por el Gobierno de Adolf Hitler.
Fue amiga de los perseguidos por el Tercer Reich, cosa que no le venía bien al Gobierno alemán, así que Goebbels la convirtió en enemiga pública: se dijo que sus películas estaban en contra de cualquier valor y moralidad porque no cumplían con ningún ideal decente, ofensas para los soldados e incluso se condenó de la poca pureza que se encontraba en su filmografía.
Dietrich recibiendo a las tropas Aliadas al finalizar la Guerra
Participó en varios shows para los soldados aliados y en París ayudó a muchos judíos y refugiados políticos a huir a otro país. Se mantuvo firme en su antinazismo, pero ello le costó su relación con su hermana mayor, quien mantuvo vínculo con altos mandos y soldados nazis. Las acciones de Dietrich fueron aplaudidas por muchos y detestadas por otros, por lo que su público quedó dividido.
En los años 60 pudo regresar a Alemania, una nación que se encontraba fragmentada. El muro había vuelto a dividir el territorio: en Alemania oriental era aclamada, aplaudida por su labor contra el régimen nazi y fue tratada como heroína, mientras que en Alemania occidental se le tachó de traidora. Sin poder agradar a todo el público, siempre fue firme en a su ideología política.
Junto a soldados del bloque aliado
Marlene Dietrich cultivó relaciones amorosas y sexuales con muchos hombres y mujeres del mundo del espectáculo, entre las cuales se pueden destacar sus vínculos con Edith Piaf, John Wayne, Rudolf Sieber (con quien se casó y tuvo una hija, María Riva), Mercedes de Acosta, James Stewart, Gary Cooper y Jean Gabin. La actriz nunca se identificó como lesbiana o bisexual, pero siempre vivió abierta a la posibilidad de un nuevo amor. Vivió su sexualidad abiertamente tanto en pantalla como en la realidad y representó la liberación femenina de la sexualidad en su época.
No tuvo miedo de vivir su sexualidad como a ella le apetecía, esquivando el puritanismo de la época y las normas del código de conducta hollywoodense, que impedía mostrar en pantalla la homosexualidad y tendía a hacer que sus actrices mantuvieran en secreto su orientación, aunque esto fuera un secreto público que reunía a las actrices en el famoso “Círculo de la Costura” un término utilizado para referirse a las celebridades identificadas como lesbianas y bisexuales.
Marlene Dietrich y Edith Piaf
El agobio de la vejez y la mirada con añoranza a la juventud que ya se había ido la hicieron experimentar el último periodo de su vida en reposo, en su departamento de París, al resguardo de su única hija, María Riva. Dietrich entonces se aficionó a escribir poemas y cartas, procurando resguardar hasta el último momento su imagen mítica. Falleció el 6 de mayo de 1992 a la edad de 90 años. Su cuerpo fue llevado de París a Berlín para ser enterrado al lado de su madre, tal y como había decretado que fuera su última voluntad. Su féretro estuvo cubierto por la bandera estadounidense y sus restos reposan en el Cementerio Municipal de Berlín-Schöneberg.
Marlene Dietrich sigue siendo un ícono del cine, el teatro y el canto, además de un referente constante de la industria cinematográfica. Los papeles a los que dio vida fueron transgresores, pues rompieron estereotipos. Cada mujer que representó se caracterizó por cambiar el esquema de la feminidad tradicional. Más allá de la pantalla, ejerció su sexualidad con libertad al liberarse de los prejuicios de la época. Como alemana fue odiada y amada por un público que estuvo marcado por una fuerte guerra, pero su figura fue catalogada como el de una heroína en los peores tiempos de la humanidad. Marlene Dietrich es, con todo, una de las más evidentes leyendas del séptimo arte con una trayectoria y un legado digno de ser recordado.
***
Algunas personas parecen destinadas para encauzar el rumbo de la historia con sus acciones. Entre las celebridades femeninas además ha habido más obstáculos a vencer, como el sexismo. La historia de cómo Marilyn Monroe ayudó a que la carrera de Ella Fitzgerald trasciende toda barrera de raza y género, basada en el reconocimiento de un talento que tarde o temprano tenía que ser reconocido.
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Mientras la actriz Vivien Leigh (India, 1913) se metía en la piel de uno de los personajes más inolvidables de la historia del cine, el de la Escarlata O’Hara que puso a Dios por testigo de que jamás volvería a pasar hambre en Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, 1939), sacó un momento libre para enviarle por correo unas bragas suyas a su amante, el también actor Laurence Olivier, (Inglaterra, 1907) todo un caballero en sus personajes y bastante menos refinado en el lenguaje del amor.
Así, poco antes de convertirse en el también inolvidable Max de Winter de Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940), el futuro sir y miembro de la Cámara de los Lores escribía a Leight: “Aquí estoy sentado totalmente desnudo, con mis partes envueltas en tu ropa interior”.
Estas son algunas de las intimidades de uno de los romances más tumultuosos del cine clásico, una relación que se alargó 20 años y que incluye infidelidades, borracheras, traumas familiares y hasta electroshocks. Una historia de amor -porque nadie duda de que lo hubo- desgranada ahora en el libro Truly, Madly (Verdaderamente, localmente, en inglés), que se publica la próxima semana de momento sólo en inglés.
Vivien Leigh, caracterizada como Scarlett O’Hara.
Wikimedia.
Laurece Olivier, caracterizado como Max de Winter.
Su autor es Stephen Galloway, antiguo periodista de The Hollywood Reporter, que se ha animado a escribir sobre un asunto sobre el que han corrido ríos de tinta, incluyendo varias biografías de los dos actores y las propias memorias de sir Olivier.
En este nuevo libro, Galloway deja claro que ninguno de los dos protagonistas de esta historia era carne de un amor tranquilo y sosegado. Olivier era hijo de un clérigo tirano y excéntrico y su madre, una esposa devota, murió cuando él tenía sólo 12 años, lo que destrozó al futuro actor.
Por su parte, Leigh también tuvo una infancia traumática, cuando sus padres le mandaron de su India natal a una fría escuela religiosa en Inglaterra y tuvo que enfrentar rumores de haber heredado parte de sangre de su país de nacimiento de su familia materna.
Los primeros matrimonios
Se cuenta en el nuevo libro que estos golpes emocionales llevaron a ambos a contraer matrimonio por primera vez pronto y mal. Él se casó con la actriz Jill Esmond y ella con el abogado Leigh Holman, con quien tuvo a su única hija. La relación entre Leigh y Olivier empezó cuando ambos estaban casados y parece que sus respectivos cónyuges se enteraron de forma traumática de la relación.
Laurence en su primera boda con Jill Esmond.
Vivien Leigh y su primer marido.
Como recoge Vanity Fair, en una biografía previa se cuenta que Jill descubrió que su marido le estaba siendo infiel de la manera más cruel. Estando embarazada, Laurence le dijo que le gustaría que, si el bebé que esperaban era niño, se llamase Tarquin. Mantuvieron el nombre en secreto, pero el 8 de abril de 1936 Jill y Laurence acudieron al estreno de la obra de teatro The Happy hypocrite, protagonizada por Vivien Leigh.
Cuando se acercaron al camerino a felicitarla, Vivien le comentó de buen humor, señalando su barriga de cinco meses de embarazo: “¿Cómo está el pequeño Tarquin?”. En el mismo libro se cuenta que cuando nació el niño, Olivier llevó a Vivien a visitarlo, con Jill aún exhausta y recuperándose.
Para Olivier, que se casó virgen y con la única intención de poder hacer el amor con una mujer -según contó en sus memorias-, la mejor manera de animar su desgraciado matrimonio fue regalarle un lémur a su mujer. Por si el surrealismo fuera poco, el animal se volvió loco cuando Esmond se quedó embarazada de su segundo hijo con Oliver, que ya estaba envuelto en pleno romance con la futura protagonista de Un tranvía llamado deseo.
La historia de amor había empezado unos meses antes con una profecía. En el estreno de la película Theatre Royal en 1934 la joven y bellísima actriz coincidió por primera vez con Olivier y le dijo a su acompañante: “Este es el hombre con el que me voy a casar”. El hecho de que el actor estuviera casado en ese momento y acabara de tener un hijo con su esposa no pareció importar a Vivien.
Vivian_Leigh y Laurence Olivier en ‘Lady Hamilton’
Aunque esto ya se conocía, la biografía de Galloway va más allá y desvela algo que no se sabía: que la protagonista de Lo que el viento se llevó era más culta e inteligente que el intérprete y director de la versión más mítica de Hamlet. Sin embargo, Olivier si superaba a su primero amante y luego esposa (se casaron en California en 1940, en una ceremonia precipitada) en una cosa: la actuación.
Pero esto, que parecía un hecho incontestable, se tambaleó en 1940, cuando Vivien Leigh ganó el Oscar a mejor actriz por la mítica película sobre la guerra de secesión estadounidense. No sería el único que recibiría: en 1951, volvería a ser elegida mejor intérprete femenina por Un tranvía llamado deseo. Entre medias, actuaron juntos en Lady Hamilton (Alexander Korda, 1941).
Cuenta el nuevo libro que la rivalidad profesional se instauró en la pareja, que había adquirido la abadía de Notley, una propiedad del siglo XII que les costó el dinero que no tenían y que fue testigo del progresivo deterioro de su relación, a pesar de que la compraron precisamente para reavivarla.
La abadía de Notley, que fue propiedad de Leigh y Olivier.
Pronto empezaron las infidelidades, que transcurrían en la propia residencia. Él tuvo un romance con Dorothy Tutin y ella con Peter Finch, ambos aderezados con elevadas cantidades de alcohol. No fueron los únicos cuernos que, según los rumores, incluyeron también a personas de su mismo sexo en ambos casos. Eran frecuentes lo que en un principio se denominaron “numeritos” de Vivien en público. Se la veía corriendo desnuda por la parcela, amenazando con suicidarse y pidiendo matrimonio a los invitados de la pareja los fines de semana.
Pero lo que le pasaba a la actriz no era ni fruto de las ganas de llamar la atención ni de la ingesta de alcohol. Como se supo al final, Leigh padecía trastorno bipolar -que entonces se conocía como enfermedad maniacodepresiva-, patología que le llevó a ser internada en el hospital mental de Surrey y a someterse a diversos tratamientos de electroshock.
Portada de la nueva biografía.
En una crítica de la nueva biografía recién publicada en The Times, el autor cuestiona que Galloway entreviste a numerosos psiquiatras contemporáneos para hablar del trastorno de Leigh, lo que hace que al leer el libro uno no pueda más que sentir pena de que la actriz naciera décadas antes de que su enfermedad fuera perfectamente controlable con medicación.
En el mismo texto se critica también que el periodista equipare la intensidad del romance a la locura de Escarlata O’Hara, como si los romances apasionados sólo se pudieran dar en ese tipo de contextos.
El final de la relación ha sido documentado en muchas biografías. La actriz tuvo múltiples aventuras y también él. Entre medias, separaciones, reencuentros, embarazos fallidos, abortos, crisis nerviosas y drama, mucho drama.
En 1957, Olivier conoció a la actriz Joan Plowright mientras protagonizaba El animador. Se enamoraron y se casaron en 1960. Leigh acabó sus días con el también actor Jack Merivale, que resultó ser un buen compañero. Durante la última década de su vida, cuidó de un mito de Hollywood que había acabado consumida por las drogas el alcohol, las drogas y la tuberculosis, enfermedad que acabó terminando con su vida en 1967, con sólo 53 años.
Sir Laurence Olivier vivió 22 años más y en esas dos décadas fue nombrado barón -miembro, por lo tanto, de la Cámara de los lores- y ganó su tercer Oscar, esta vez honorífico. Algunas de sus mejores películas, como La Huella, las rodó en su última etapa como actor.
Estrella del paseo de la fama de Laurence Olivier.
Estrella del paseo de la fama de Vivien Leigh.
Sigue los temas que te interesan
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Mientras la actriz Vivien Leigh (India, 1913) se metía en la piel de uno de los personajes más inolvidables de la historia del cine, el de la Escarlata O’Hara que puso a Dios por testigo de que jamás volvería a pasar hambre en Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, 1939), sacó un momento libre para enviarle por correo unas bragas suyas a su amante, el también actor Laurence Olivier, (Inglaterra, 1907) todo un caballero en sus personajes y bastante menos refinado en el lenguaje del amor.
Así, poco antes de convertirse en el también inolvidable Max de Winter de Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940), el futuro sir y miembro de la Cámara de los Lores escribía a Leight: “Aquí estoy sentado totalmente desnudo, con mis partes envueltas en tu ropa interior”.
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Se cuenta en el nuevo libro que estos golpes emocionales llevaron a ambos a contraer matrimonio por primera vez pronto y mal. Él se casó con la actriz Jill Esmond y ella con el abogado Leigh Holman, con quien tuvo a su única hija. La relación entre Leigh y Olivier empezó cuando ambos estaban casados y parece que sus respectivos cónyuges se enteraron de forma traumática de la relación.
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Para Olivier, que se casó virgen y con la única intención de poder hacer el amor con una mujer -según contó en sus memorias-, la mejor manera de animar su desgraciado matrimonio fue regalarle un lémur a su mujer. Por si el surrealismo fuera poco, el animal se volvió loco cuando Esmond se quedó embarazada de su segundo hijo con Oliver, que ya estaba envuelto en pleno romance con la futura protagonista de Un tranvía llamado deseo.
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Aunque esto ya se conocía, la biografía de Galloway va más allá y desvela algo que no se sabía: que la protagonista de Lo que el viento se llevó era más culta e inteligente que el intérprete y director de la versión más mítica de Hamlet. Sin embargo, Olivier si superaba a su primero amante y luego esposa (se casaron en California en 1940, en una ceremonia precipitada) en una cosa: la actuación.
Pero esto, que parecía un hecho incontestable, se tambaleó en 1940, cuando Vivien Leigh ganó el Oscar a mejor actriz por la mítica película sobre la guerra de secesión estadounidense. No sería el único que recibiría: en 1951, volvería a ser elegida mejor intérprete femenina por Un tranvía llamado deseo. Entre medias, actuaron juntos en Lady Hamilton (Alexander Korda, 1941).
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Pero lo que le pasaba a la actriz no era ni fruto de las ganas de llamar la atención ni de la ingesta de alcohol. Como se supo al final, Leigh padecía trastorno bipolar -que entonces se conocía como enfermedad maniacodepresiva-, patología que le llevó a ser internada en el hospital mental de Surrey y a someterse a diversos tratamientos de electroshock.
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